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Akerman, Chantal. Bruselas (Bélgica), 1950. Considerada como una de las principales representantes del cine experimental europeo, en 1968 rueda su primer corto, Saute ma ville, y en 1971, tras una decisiva estancia en los Estados Unidos, descubre el trabajo de cineastas experimentales que influirán en su primer largometraje, Hotel Monterrey (1971). Entre sus filmes cabe citar títulos como Je, tu, il, elle (1974); Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975); Les rendes vous d’Anna (1978); Toute une Nuit (1982); D’Est (1993), que giran en torno a temáticas como el concepto de autobiografía y autorretrato, la observación y los detalles de la vida cotidiana y la incursión en los nuevos lenguajes feministas. Paralelamente a su labor cinematográfica, realiza vídeos e instalaciones que se han expuesto en diversos museos, centros de arte y galerías internacionales, como el San Francisco Museum of Modern Art, el Carnegie International, Pittsburg, o el Walker Art Center, Minneapolis.

Almeida, Helena. Lisboa (Portugal), 1934. Vive y trabaja en Lisboa, donde estudió pintura en la Escola Superior de Belas-Artes. En su trabajo une y yuxtapone la fotografía, la pintura y la acción. Como protagonista de su fotografías, Almeida representa una constante lucha entre la  pintura y el color, y la fotografía y el blanco y negro; entre la abstracción y la figuración, entre el nivel de lo real y el de lo imaginario. Entre sus exposiciones, que se remontan hasta 1967, cabe resaltar su presencia en la Bienal de Venecia de 1982; Art Basel 84; Casa de América, Madrid, 1998; SITE Santa Fe, 1999; y Centro Galego de Arte Contemporánea, CGAC, Santiago de Compostela, 2000. Su obra está presente en colecciones como las de la Bibliothéque National de Paris; Culturgest, Lisboa; Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa; Museu Fundação Serralves, Porto; MEIAC, Badajoz; MNCA Reina Sofía, Madrid.

Almodóvar, Pedro. Calzada de Calatrava, Ciudad Real (España), 1951. Vive y trabaja en Madrid. Pasa su infancia entre las tierras de la Mancha y Extremadura, en colegios religiosos en los que pronto saldrá a relucir su carácter irreverente y despertará su afición por el cine. Con dieciséis años se instala en Madrid, donde trabaja en la Compañía Telefónica Nacional, y el resto del día se interesa por el cómic, colabora en revistas underground, ingresa en el grupo de teatro Los Goliardos, al tiempo que inicia sus contactos con el cine de manera autodidacta rodando historias cortas con una cámara de Súper 8 mm. Su primer largometraje será Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), al que seguirán Entre tinieblas (1983) o ¿Qué hecho yo para merecer esto? (1984), dentro de un proceso de refinamiento que va desde el tono desfachatado de sus melodramas domésticos hacia las intrigas criminales y tramas más pasionales de Matador (1986) o La ley del deseo (1986). Con la comedia Mujeres al borde de un ataque de nervios (1987), y su candidatura al Oscar, le llega el reconocimiento internacional que se consolidará con filmes como Átame! (1989), Tacones Lejanos (1991), Kika (1993) o Carne Trémula (1997). Éxito definitivo que alcanzará con su última película Todo sobre mi madre (1999), que recibe en el año 2000 el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. Actualmente rueda una nueva película que se titulará Hable con ella.

Alvarez Bravo, Manuel. México D.F. (México), 1902. Después de estudiar literatura y bellas artes y de ejercer diferentes trabajos en la administración mexicana, Álvarez Bravo se interesa por la fotografía y es a partir de 1923 cuando comienza a realizar fotografías. En sus comienzos investiga  en la abstracción y con montajes sobre papeles superpuestos y recortados. A lo largo de su larga carrera conoció y estuvo influenciado por diferentes artistas y movimientos, desde el nuevo objetivismo alemán hasta el surrealismo, desde Atget hasta Bretón y, por supuesto, Diego de Rivera, Tina Modotti, Edward Weston, Paul Strand, Cartier-Bresson y Walker Evans, algunos de los cuales fueron compañeros de exposiciones. Ha sido profesor en la Escuela Central de Artes Plásticas de México y en Chicago, y ha tenido una amplia experiencia en cine, tanto en corto como en largometrajes, trabajando como cámara junto con Eisenstein y Buñuel. Profundamente arraigado en la cultura y la sociedad mexicana, ha centrado su atención en las relaciones humanas, especialmente la de las clases obreras, creando elocuentes imágenes de las peculiaridades de sus vidas, de sus sueños y con frecuencia de su muerte. Sus imágenes de la sociedad mexicana de su tiempo, tanto de los escaparates, murales o manifestaciones populares y sociales se han convertido en una representación iconológica de toda una sociedad y una época. Ha expuesto en multitud de museos y galerías desde 1928 hasta hoy, y en España su obra se ha visto recientemente en el IVAM de Valencia y en el Museo Reina Sofía de Madrid. En el Museo de Arte Contemporáneo de México tiene una sala permanente con su obra.

Allen, Terry. Wichita, Kansas (Estados Unidos), 1943. Artista independiente, desde 1966 trabaja en una gran variedad de medios incluyendo performances musicales y teatro, escultura, pintura, dibujo y vídeo, así como instalaciones en las que incorpora todos estos medios. Ha ganado algunos de los premios y ayudas más importantes que se otorgan en Estados Unidos para el arte, como el National Endowment for the Arts Fellowship (en 1970, 1978 y 1985), el Guggenheim Fellowship en 1986, etc. Individualmente ha expuesto en galerías y espacios privados a través de todo Estados Unidos, y entre sus muestras en museos destacan las realizadas en el Modern Art Museum of Fort Worth, en el ICA de San Francisco, y en el Pittsburgh Center for the Arts.

Araki, Nobuyoshi. Tokio (Japón), 1940. Después de realizar estudios universitarios sobre fotografía y cine, comienza a trabajar como fotógrafo para la agencia Dentsu hasta 1972, año en que comienza a trabajar como fotógrafo independiente. Sus primeras obras son publicadas y expuestas con el título de “Viaje Sentimental” y recogen las imágenes de su viaje de bodas. En 1990 muere su mujer, y en 1994 se niega a exponer en la Bienal de Venecia. Este carácter independiente y excesivo le lleva a indagar en el mundo del sexo, con imágenes cercanas a la pornografía, al fetichismo y al sadismo. Gran conocedor de la cultura japonesa, sus fotografías han tratado temas muy diferentes, destacando sobre todo su serie sobre Tokio y su vida marginal, clubs, prostitución, etc. Ha expuesto sus trabajos en todo el mundo y está presente en las colecciones más importantes, tanto públicas como privadas. Entre los lugares en que se han mostrado sus trabajos destacan el Tokyo Metropolitan Art Museum; Internacional Center of Photography, Nueva York; Museum für Kunst un Gewerbe, Hamburgo; XXV Bienal de São Paulo, Brasil; Museo Rufino Tamayo, México; Museum of Contemporary Art, Chicago; Centre National de la Photographie, París; Deichtorhalle, Hamburgo, etc. En España ha expuesto en la Casa Elizalde de Barcelona y en la Sala Parpalló de Valencia.

Avedon, Richard. Nueva York (Estados Unidos), 1923. Considerado como uno de los mejores autores de la historia de la fotografía, Avedon es conocido especialmente por sus imágenes de moda, género que revolucionó con sus fotografías en la calle y en ambientes de todo tipo, así como por sus retratos de personajes célebres. Sin embargo, el trabajo de Avedon es mucho más rico y sobre todo mucho más variado. Estudiante de filosofía en la Universidad de Columbia se decide por la fotografía que aprende de forma autodidacta. El aspecto innovador y a veces absolutamente revolucionario que imprime en cada género que toca le ha dado un status profesional fuera de toda duda. En sus retratos, primero de personajes célebres del mundo de la política, la cultura y el espectáculo, y más tarde de personajes anónimos de todo tipo, destaca la fuerza simbólica tanto de los gestos como de los caracteres que va desvelando en cada imagen. Hasta el punto de no ser el reconocimiento de la persona sino la personalidad del individuo el objetivo de su retrato. Además de sus múltiples publicaciones y exposiciones comerciales, la obra de Avedon ha sido expuesta en el MOMA, el Metropolitan y el Whitney Museum, todos ellos de Nueva York, y en el Ludwig Museum de Colonia en 1994.

Balcells, Eugènia. Barcelona (España), 1943. Estudia arquitectura Técnica en la Universidad de Barcelona. En 1968 se traslada a Nueva York, donde obtiene un Master en Arte en la Universidad de Iowa, y desde entonces vive y trabaja entre Barcelona y Nueva York. Es una de las artistas fundamentales en el arte conceptual español, con un trabajo que gira en torno al ser humano, la sociedad de consumo y los efectos de los mass media sobre la cultura de masas. En sus obras se mezclan diferentes medios y lenguajes, instalaciones audiovisuales en las que el sonido, la luz y el movimiento coexisten con la memoria, la historia de lo cotidiano y la fusión con el misterio de lo esencial, con la magia de la creación. En los últimos años ha expuesto en el Museo del Barrio, Nueva York, el MNCA Reina Sofía, Madrid, Centro Cultural de Belém, Lisboa, y en el MACBA y el Palau de la Virreina, en Barcelona, además de numerosas muestras colectivas, festivales de vídeo, instalación y performances por todo el mundo. Entre su abundante documentación cabe citar los catálogos From the Center (1987), Sincronías (1995), Veure la llum (1996), En el cor de las coses (1998), los films Boy Meet’s Girl (1978) o For/Against (1983), y los vídeos Indian Circle (1981) y Tomorrow’s Colors (1982). En la actualidad prepara su primer largometraje en 35 mm.

Baldessari, John. National City, California (Estados Unidos), 1931. Estudia pintura en el Colegio Estatal de San Diego. En 1953 ejerce el cargo de director de la Galería de Bellas Artes de San Diego, y entre 1955 y 1968 imparte clases de arte en diferentes escuelas y universidades siempre en San Diego. Su primera exposición data de 1960, en el Centro de Arte de La Jolla, en California. Entre 1962 y 1972 vuelve a dar clases, esta vez en la Universidad de California y en el Hunter College. Es a partir de 1980 cuando se centra de lleno en la producción fotográfica, y sus manipulaciones de imágenes fotográficas y del cine son consideradas como una crítica del papel del arte y el artista en la sociedad así como de la violencia y su presencia en las artes visuales del siglo XX. Está considerado como uno de los principales artistas conceptuales de Estados Unidos. Ha expuesto en infinidad de museos y eventos en todo el mundo, entre ellos cabe destacar las Documentas V y VII, en Kassel, el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, en 1990, y,  recientemente, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona.

Barclay, Per. Oslo (Noruega), 1955. Después de terminar su formación artística en Italia, Per Barclay ha presentado su obra en exposiciones colectivas e individuales desde 1985. Con su obra ha viajado por Noruega, Suecia, Holanda, Suiza, Italia, Francia, Bélgica, Alemania, Dinamarca y Grecia. A pesar de que no puede considerársele un fotógrafo en sentido estricto, ha hecho de la fotografía de sus instalaciones y esculturas un género con valores propios. Actualmente vive y trabaja en Paris.

Barney, Tina. Nueva York (Estados Unidos), 1945. Nacida y criada en el seno de una familia de la elite de Long Island, ha dedicado gran parte de su trabajo a retratar su entorno íntimo, las relaciones de familia, amigos y colegas. Usando una cámara de gran formato y brillantes colores, produce imágenes seductoras que conforman un estilo de realismo característico, que ofrece una visión de la alta sociedad que la mayoría de la gente no puede contemplar habitualmente. Estudió durante la década de los 70 en el Sun Valley Center for Arts and Humanities. Su obra está en numerosas colecciones de fotografía de los Estados Unidos, incluyendo las del MoMA, Nueva York; el Smithsonian Institution; el International Museum of Photography at George Eastman House, Rochester, y Chase Manhattan Bank, Nueva York, entre otras. Actualmente está representada por Janet Borden Gallery en Nueva York, y ha realizado exposiciones individuales en el Denver Art Museum, el MOMA, Nueva York, y el International Museum of Photography at George Eastman House, Rochester. En 1997, la editorial alemana Scalo publicó una excepcional monografía, que muestra una amplia selección retrospectiva de su obra personal, Tina Barney Photographs: Theater of Manners.

Barton, F.W.. Gran Bretaña. Segunda mitad del siglo XIX. Durante su etapa como administrador de la colonia británica en la región de los indios Papúas, realizó una gran cantidad de imágenes  con un fuerte interés antropológico  por el tatuaje. Pero su trabajo sobrepasa los límites del estudio científico antropológico para decantarse por una composición más acorde con las tradiciones artísticas de finales del siglo XIX, y por un marcado interés sexual por las jóvenes indígenas. Los tatuajes que Barton reflejará no son habituales ni se permitía a los extranjeros su contemplación, por lo que resulta evidente su importancia política como administrador de la zona.

Belin, Valérie. Boulogne-Billancourt (Francia), 1964. Valérie Belin nos presenta una serie de fotografías en blanco y negro en donde cada detalle, cada matiz de gris y cada contraste brutal entre la luz y la sombra revelan la naturaleza de la imagen fotográfica. La serie de los espejos saca a la luz la complejidad compositiva y contextual del tema: desde un fondo perfectamente negro emergen las transparencias y las texturas del cristal modelado. Esta serie junto con la de los choques de automóviles de 1998, pueden considerarse cercanas a sus otras imágenes de ropa y trajes en las que utiliza el mismo artificio del punto de vista ligeramente girado sobre el plano frontal. Otro elemento común es el hecho de que todas tienen que ver con la representación de objetos que han sido ‘vividos’, ya se trate de ropa o de interiores de automóviles, todos evocan un sentido de la muerte o de la ausencia. Estas fotografías cumplen una doble función: la de representar el cuerpo en particular y en perspectiva, la de evocar la memoria. Entre sus exposiciones individuales cabe citar la del Museo de Artes Decorativas de Paris; Musée de Picardie, Amiens; Gallery 21, Tokyo; Artothèque, Caen; Centre d’art contemporain de Vassivière en Limousin, en 1999, así como exposiciones en Galerie Xippas, París y Gallery Prinz, Kyoto en 1998. Colectivamente ha mostrado su trabajo en Un monde irréel, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris; La Mariée/La novia, Yvonamor Palix, México D.F.; Le corps du visible, Rencontres Internationales de la Photographie, Arlés; Mariage, une histoire cousue de fil blanc, Museum of Fashion and Costume, Palais Galliera, París, todas en 1999.

Bertillon, Alphonse. Francia, 1853-1914. En el año 1872 se crea en París el primer servicio fotográfico  basado en el método Bertillon de reconocimiento de criminales. Este método es en esencia un estudio y catalogación de tipos de criminales a partir de las fotografías tomadas a delincuentes convictos y su estudio antropomórfico. En 1882 Bertillon será nombrado director de este servicio con estudio fotográfico propio. Es el origen de los gabinetes de identificación policial de la policía moderna.

Billingham, Richard. Birmingham (Inglaterra), 1970. Estudios de Bellas Artes en la University of Sunderland, en 1995 obtiene el Felix H. Man Memorial Prize y en 1997 el Citibank Private Bank Photography Prize. En el 2001 participa en el Artists Work Programme en el IMMA, Dublín. Sus fotografías, tomadas inicialmente como bocetos o estudios para futuros cuadros, presentan escenas domésticas de sus padres, hermano o mascotas caseras, en un fiel reflejo de una estética de lo cotidiano. Entre el documental y la ficción, entre lo heroico y lo tragicómico, aborda estereotipos sociales y psicológicos propios de la clase obrera británica. Entre sus exposiciones cabe citar su participación, en 1997, en Sensation, en la Royal Academy of Arts, Londres, junto a las últimas generaciones de artistas británicos. También se ha podido ver su trabajo en la Anthony Reynolds Gallery, Londres; National Museum of Film and Photography, Bradford; Luhring Augustine, Nueva York; Galerie Monica Reitz, Frankfurt am Main; Ikon Gallery, Birmingham; Museum of Contemporary Art, Szombathely, Hungría; De Appel Foundation, Amsterdam; Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena; Castello di Rivoli, Turín, y en la 49 edición de la Bienal de Venecia, en este año 2001.

Blanca, Paul. Willemstad, Curaçao (Holanda), 1959. De formación autodidacta, tiene contactos profesionales con Robert Mapplethorpe. Vive y trabaja como fotógrafo de moda en Amsterdam. Su obra personal viene exponiéndose regularmente desde los años 80 en galerías y museos de Europa y América, al tiempo que sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas.

Boltanski, Christian. París ( Francia), 1944. Artista autodidacta, basa sus trabajos, en un principio con objetos y desde finales de los años 60 también con fotografías, propias y ajenas, en la reconstrucción de la memoria personal y colectiva. Lo que en una primera etapa era una búsqueda de su propia infancia, de su origen, se ha convertido con el tiempo en todo un documento sobre la historia del olvido y de la pérdida, especialmente de segmentos de población masacrados por las guerras o por circunstancias de otro tipo. Sus fotografías, actualmente en su mayoría sacadas de archivos, se exponen de una manera escenográfica constituyendo auténticas instalaciones entre luces y sombras. Boltanski se ha convertido en parte de una conciencia pública e histórica. Ha participado en varias ocasiones, a partir de 1972, en la Documenta de Kassel, en el Museo de Arte Moderno y en el Centro Georges Pompidou, ambos en París, y en España en el Centro Nacional Museo Reina Sofía, en Madrid y en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, en Santiago.

Bony, Oscar. Posadas, Misiones (Argentina), 1941. Uno de los nombres fundamentales en el panorama del arte conceptual latinoamericano, inició su trayectoria combinando diversos medios: pintura, dibujo, instalaciones, performances, etc. Después de unos inicios intensos y plurales, no exentos de censuras y cuestionamientos éticos al sistema de las artes, decidió retirarse y no exponer durante siete años (1969-75), que aprovechó para viajar por Europa, y a los que siguieron su marcha a Italia, Milán, donde residiría entre 1977 y 1988, para regresar posteriormente a Buenos Aires, ciudad en la que reside y trabaja en la actualidad. A lo largo de su proyecto artístico, el tiempo, la muerte, la violencia, la identidad, las fronteras, han constituido lugares de referencia y recurrencia en sus obras. Será a partir de los años 90, cuando la cámara y su visión fotográfica de la pintura –ya experimentada en series como Cielos-, asuma un mayor protagonismo en la obra de Bony, caracterizada ahora por series fotográficas de autorretratos, a color y en gran formato, que una vez montados y enmarcados, son sometidos al impacto literal de las balas que el propio artista dispara sobre ellos. Un suicidio artístico ejemplar que ha podido verse recientemente en muestras como El Triunfo de la Muerte (Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires) y Fuera de las formas del cine, Reconstrucción (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires),ambas en 1998.

Bradley, Slater. San Francisco, California (Estados Unidos), 1975. Vive y trabaja en Nueva York. Formado en la Universidad de California en Los Angeles. Fotógrafo y videoartista con intereses en el mundo del cine y del comisariado de exposiciones. Su trabajo, tanto en cine como en fotografía, gira en torno a una cierta idea de soledad y aislamiento en entornos cotidianos. Comienza a exponer a finales de los años 90, iniciando una rápida carrera que le llevará a exponer, en apenas unos años, en galerías americanas y europeas como Team Gallery, Nueva York; Art & Public, Ginebra; Yvon Lambert, París, y a estar presente en ferias internacionales como Art Basel.

Buetti, Daniele. Fribourg (Suiza), 1955. Vive y trabaja entre Zürich y Berlín. Su obra está centrada en los estereotipos de belleza que define el mundo de la moda y de la publicidad. Sobre estas imágenes, que saca de revistas especializadas, Buetti sobrescribe y marca rostros y cuerpos con mensajes y nombres de marcas, creando un tatuaje, una escritura corporal que satiriza el medio y humaniza a las mujeres y hombres, a los modelos de belleza, que quedan marcados bajo su intervención. Critica y rechaza el culto a la imagen y transforma a esos símbolos del glamour y la sofisticación en seres humanos. Ha expuesto, entre otros lugares, en Galerie arsFutura, Zürich; Espai Lucas, Valencia; ACE Gallery, Los Angeles; Maison Européenne de la Photographie, París; MNCA Reina Sofia, Madrid.; Fotomuseum, Winterthur; National Institute for Photography, Rotterdam; Musée Royal des Beaux-Arts, Amberes; Kunstmuseum, Biel / Akademie der Künste, Berlin; 5th International Istanbul Biennale; Staatliche Kunsthalle Baden-Baden;  Kunstmuseum Bern; Museum für Gegenwartskunst, Migrosmuseum, Zürich. Tiene obra en las siguientes colecciones  Kunsthaus, Zürich; Maison Européenne de la Photographie, Paris; Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; Musée de l'Elysée, Lausanne; Kunsthaus, Bregenz; Museum für Gegen-wartskunst, Zürich; Villa Merkel, Esslingen.

Burden, Chris. Boston (Estados Unidos), 1946. Estudia arte en la Universidad de Irvine, California. Comienza su carrera artística como escultor, pero las gigantescas dimensiones de sus esculturas las hacen inviables, y se dedica al body art, del que llega a ser uno de sus máximos exponentes. A partir de 1971 presenta acciones, acontecimientos y vídeos que exploran los limites de resistencia física y psíquica extremas, desde dispararse con una pistola y fuego real, hasta invitar a los espectadores a que le pinchasen con alfileres, o crucificarse sobre un automóvil. En 1977 participa en la Documenta de Kassel.

Cahun, Claude.  [Lucy Renée Matilde Schwob] - Nantes (Francia), 1894 - Saint Hélier, Jersey, English Channel Islands (Gran Bretaña), 1954. Fotógrafa y escritora, comenzó a hacerse autorretratos alrededor de 1912. Hacia 1917 adoptó el pseudónimo de Claude Cahun. Marchó a París en 1922 con su hermanastra, colaboradora y amiga de por vida, Suzanne Malherbe (que firmaba Marcel Moore). En este período, Cahun se dedicó brevemente al teatro, al mismo tiempo que colaboraba en revistas literarias y participaba en el movimiento surrealista. Con André Breton y Georges Bataille cofundó Contre-Attaque, un grupo establecido en  1935  en respuesta a la amenaza del fascismo. En sus autorretratos, Cahun frecuentemente se presenta disfrazada, maquillada o enmascarada como diversos personajes. No hay evidencia de que haya expuesto ninguna de estas fotografías por lo que se deduce que fueron hechas para su consumo personal. Recientemente, y a través de publicaciones como Les mystères de la chambre noire: Le Surréalisme et la photographie, de Edouard Jaguer (1982), y la exposición de 1985 L’amour fou: Photography and Surrealism en la Corcoran Gallery of Art (Washington D.C.), sus fotografías han sido redescubiertas y consideradas desde la óptica de las artes y las vanguardias de entreguerras.

Capa, Robert. Budapest (Hungría), 1913 - Indochina, 1954. De nombre Endre Friedman, se exilia de Hungría debido a sus simpatías con el comunismo y se traslada a Berlín, en 1931, donde combina los estudios de Periodismo y Sociología con el trabajo como asistente en un laboratorio fotografíco y después en la agencia Dephot. La presión nazi le lleva hasta París, donde se instala y trabaja para la revista Vu. En el año 1936 adopta su nombre profesional y encuentra en la Guerra Civil Española los acontecimientos que centran su primer reportaje en el que ya se define su valentía y el afán de denuncia antibelicista que caracterizarán su obra a lo largo de conflictos como la invasión japonesa de China, la Segunda Guerra Mundial, la creación del estado de Israel, así como guerras y revueltas en México, Palestina y Camboya, donde morirá al explotarle una mina. Corresponsal de revistas como Life y Collier’s, en 1946 se nacionaliza estadounidense, y en 1947 funda con sus antiguos compañeros Cartier-Bresson, Seymour, Rodger y Vandivert, la mítica Agencia Magnum. La obra de Capa es una referencia clásica dentro del documentalismo, con una fuerza que reside en su proximidad y en su poder para invocar los absurdos de la guerra, manteniendo la intensidad del factor humano y la esperanza, aderezada con la camaradería glamourosa de la postguerra europea y los retratos de amigos como Picasso, Hemingway, John Huston o Ingrid Bergman. Retrospectivas de su obra han sido expuestas en numerosos museos de todo el mundo, entre los que cabe citar el International Center of Photography, Nueva York o el MNCA Reina Sofía, Madrid, así como publicaciones de su obra en editoriales como Aperture o Phaidon.

Carrera, Jose Antonio. Madrid (España), 1957. Realiza reportajes y documentales para la televisión pública española, TVE. Esta experiencia profesional le ha llevado a conocer culturas  y pueblos muy diferentes, y en todos ellos ha buscado, a través de sus fotografías, la esencia, siempre igual, del ser humano. La hospitalidad y la compasión entre quienes nada tienen, la elegancia de los que adornan su cuerpo desnudo, o la dignidad con la que algunos conviven con la violencia y la injusticia: lo ha fotografiado en América, Asia y Africa. Su trabajo lo ha mostrado en prensa y revistas como Panorama Travel de Milán o en certámenes como ARCO, o la feria de Frankfurt, pero también en exposiciones colectivas (FNAC-Madrid, Mueso del Agua de Lisboa o The Paul Kopeinkin Gallery de Los Angeles) y personales (Círculo de Bellas Artes, Casa de América, Museo de La Ciudad –dentro de PhotoEspaña, Galería Berini, Barcelona y Galería La Kábala, Madrid). Recibió la Beca de Foto Pres’97 por “Los parientes yanomami”.La colección privada Cualladó incluía obras de José Antonio que desde hace tres años han pasado con el resto a formar parte de los fondos del IVAM.

Cartier-Bresson, Henri. Chanteloup, Seine et Marne (Francia), 1908. Estudia literatura y pintura en Cambridge y participa en el entorno surrealista de la época, antes de volver sus intereses hacía el lenguaje fotográfico. Su primera exposición individual fue en 1932, en la Julien Levy Gallery, Nueva York, mostrando sus primeros trabajos realizados con una Leica. Su especialidad era el reportaje y la fotografía de calle, instantáneas e imágenes de ambiente y costumbres. Realiza viajes por Africa, México y los Estados Unidos, compartiendo experiencias y aprendizajes comunes con los gigantes de su tiempo, como los trabajos en filmaciones con Paul Strand, Jean Renoir y Jaques Becker, o las exposiciones con Manuel Álvarez Bravo y Walker Evans, y formando parte del equipo de varias publicaciones como fotoperiodista. Durante la Guerra Civil española realizó un corto film sobre el bando republicano. A su regreso a Francia, fue detenido por los nazis, posteriormente conseguiría escapar de la carcel de Wuttemberg y se unió a la Resistencia. Después de la liberación de París comienza a fotografiar a los artistas más destacados. En 1946 viaja a los Estados Unidos y expone en el MoMA. Nuevamente se rodea de artistas e intelectuales como William Faulkner, Alfred Stieglitz y Saul Steinberg. En 1947 funda la agencia Magnum junto con Robert Capa, Seymour y Rodger, y emplea los siguientes veinte años de su vida en viajar alrededor del mundo cubriendo los más importantes hechos. Entre los libros más importantes sobre su obra destacan Henri Cartier-Bresson: Photographer, 1979, International Center for Photography, y  Henri Cartier-Bresson: The Early Work, 1987, de Peter Galassi.

Clark, Larry. Tulsa, Oklahoma (Estados Unidos), 1943. Vive y trabaja en Nueva York. Fotógrafo y cineasta saltó a la fama en 1971 con su trabajo Tulsa, en el que cuenta a través de fotografías y fragmentos de películas de 1963, 1968 y 1971, la vida provinciana de sus amigos y la suya propia. Las drogas, el sexo y la violencia se muestran explícitamente. En sus series posteriores más famosas, Teenage Lust (1983), The Perfect Childhood (1993) y en su controvertida película Kids (1994-95), la juventud y la adolescencia ocupan el centro de su mirada, una juventud convulsionada por la violencia, las drogas y el sexo. Ha expuesto su trabajo en el Musèe d’Art Moderne de la Ville de París, el Kunstmuseum de Lucerna, Suiza, en la Sala Parpalló de Valencia, en el Museum of Contemporary Art de Los Angeles, y en la Bienal de Venecia, 2001, entre otros.

Collishaw, Matt. Nottingham (Reino Unido), 1966. Perteneciente al grupo de jóvenes artistas británicos que se dieron a conocer internacionalmente en la década de los 90 a partir de la exposición “Sensation. Young British Artists from the Saatchi Collection” (Royal Academy of Art, Londres, 1997). Su trabajo actualmente se centra en la imagen digitalizada y en la creación de mundos fantásticos alternativos. Participó en 1993 en el “Aperto” de la Bienal de Venecia y posteriormente en muestras colectivas en el Walker Art Center de Minneapolis, en el Museo de Arte Moderno de la Villa de París, y en la Serpentine Gallery de Londres, entre otros.

Constantine, Elaine. Manchester (Gran Bretaña), 1965. Después de trabajar como fotógrafa freelance y como fotógrafa técnica y profesora de fotografía en el Salford College of Technology durante cinco años, se traslada a Londres en 1992 para trabajar como asistente del fotógrafo Nick Knight. Actualmente es una de las más importantes y reconocidas fotógrafas de moda de Inglaterra. Especializada en reportaje de moda joven, su estilo dinámico y lleno de energía ha cambiado sustancialmente la forma de fotografiar en el mundo de la moda. Su obra fotográfica ha traspasado las fronteras de las páginas de las revistas para ser expuesta en el circuito artístico, formando parte de la exposición de fotografía inglesa Look at me, y en Imperfect Beauty, realizada en el Victoria and Albert Museum de Londres. Trabaja regularmente para Vogue Italia y para The Face, Londres.

Contreras, Luis. Valencia (España), 1959. Como un paisaje contemporáneo, la fotografía de Contreras recopila miradas y fragmentos de nuestro entorno más cotidiano. En su trabajo utiliza fragmentos de imágenes sacadas del cine, de la televisión, rótulos, en un método que nos recuerda el del zapping del espectador televisivo contemporáneo. Este aprovechamiento del color y de la aglomeración de mensajes, iconos y tópicos visuales configuran un trabajo muy característico en el que los textos en inglés y el paralelismo entre formas similares de contenidos muy diversos son frecuentes. La estructura de sus trabajos nos recuerda las videoinstalaciones en las que se superponen pantallas de vídeo y se entrecruzan todo tipo de mensajes, textos, formas y colores. Ha mostrado su obra en numerosas galerías y participado en muestras colectivas en el Museo Reina Sofía de Madrid, en Santa Mónica de Barcelona, Fundación Arte y Tecnología de Madrid, etc.

Cottingham, Keith. Los Angeles, California (Estados Unidos), 1965. Sus estudios sobre dibujo y fotografía se prolongan en la especialidad de fotografía digital y artes interdisciplinares en la Universidad de San Francisco. Su trabajo se centra en la relación entre lo ficticio y lo auténtico. La serie de trabajos que destacamos está realizada en los primeros años 90, y trata de una serie de retratos ficticios, de seres inexistentes, individualmente o en grupos, creados digitalmente a partir de fragmentos reales. Ha expuesto, entre otros espacios, en Kunsthalle de Krems, Austria; Arken Museum, Dinamarca; Los Angeles County Museum, Estados Unidos; Foundation Cartier, París, y en galerías privadas de Europa y Estados Unidos.

Craig-Martin, Jessica. Gran Bretaña. Estudia en la Universidad de Nueva York, en la New School y en el International Center of Photography, ambos en Nueva York. Craig-Martin ha centrado su trabajo en instantáneas en primer plano de las fiestas de la jet set. Desde los almuerzos benéficos en Cannes a las celebraciones de la alta sociedad de los Hamptons en Estados Unidos, sus fotografías retratan toda la típica floritura y excitación, vestidos de moda, joyas costosas, peinados de diseño y actitudes y poses de los actores privilegiados de esta sociedad, realizando siempre composiciones que protegen la identidad individual de los sujetos mientras que amplía y caricaturiza los síntomas y símbolos de su identidad social. Ha expuesto individualmente en Artemis Greenberg Van Doren Gallery, Nueva York, Maureen Paley/Interim Art, Londres, en Fiction Inc., Tokio, Colette, París y en el P.S.1 Contemporary Art Center, Nueva York. En 2002, el MNCA Reina Sofía de Madrid le dedicará una exposición individual.

Cruz Megías, Juan de la. Murcia (España), 1959. De formación autodidacta comienza a fotografiar desde los once años, cuando le regalan su primera cámara. A la edad de 14 años realiza sus primeras fotografías de una boda, y a los diecinueve años monta su primer estudio profesional. Especializado en fotografías de bodas, en las que refleja todo el ritual individual y colectivo de este acontecimiento social, mostrando la intensidad emotiva, sexual y la alegría colectiva, además de las características sociales y rituales de las bodas en la España actual. Ha publicado el libro Bodas 1979-1999 en Barcelona en 1999. En 2000 fue el ganador del mejor portfolio de PhotoEspaña. Este mismo conjunto de obras se ha expuesto en el Centro Cultural Conde Duque, Madrid, 2001; en Forum de l'Image 2001, Galerie Kandler, Tolouse, y en la galeria H2O, Barcelona.

Chang, Patty. San Francisco (Estados Unidos), 1972. Formada en la Universidad de Bellas Artes de California y en la Academia de Bellas Artes de Venecia, se ha dado a conocer en los circuitos artísticos neoyorquinos a través de sus diversas performances en las que entrelaza recursos del body art y del postfeminismo de finales de los noventa, en propuestas en las que suelen estar presentes temas como el cuerpo, la identidad, el sexo, o la enfermedad. Sus obras, ya sean vídeos o performances, poseen un notable impacto visual en el que subyace un alto contenido crítico.

Darzacq, Denis. Francia, 1961. Actualmente vive y trabaja en París. En el año 2000 el Centre National de la Photographie le encarga un trabajo sobre la juventud en Francia. A raíz de este encargo, Darzacq fotografía a jóvenes y adolescentes en sus lugares habituales, en la calle, en grupos, en parejas, realizando un extenso trabajo que se ha podido ver en parte en la exposición (en París y en Madrid) de la selección del Premio Altadis, en la que ha sido uno de los premiados. Ha expuesto también en galerías y museos de Francia, Japón y España.

DelGado, Juan. Cartagena, Murcia (España), 1965. Desde el comienzo de su trabajo, en 1988, los temas que le han interesado más fuertemente han sido la identidad del género (Transformer, 1991) y la ambigüedad en el retrato fotográfico (The Sexual Androgyne, 1955). En 1994 se traslada a Londres donde se ha licenciado en Medios de Comunicación Cointemporáneos en la Universidad de Westminster y donde realiza un Master en Medios Artísticos y Disñeo. Su trabajo se ha expuesto en el Royal Festival may, National Portrait Gallery, Londres y en el Centre for Developmental Arts, Glasgow. DelGado ha realizado varios filmes experimentales como Toccata et Fugue, 1997; The Pasión of Teresa, 1998; y los documentales Breaking Mirrors, 1999 y Coming on Strong, 1999.

Delvoye, Wim. Gante (Bélgica), 1965. Vive y trabaja entre Gante y Nueva York. Su trabajo se caracteriza por la diversidad de medios y materiales utilizados y por la ironía sistemática que emplea para derribar estereotipos del arte y de la sociedad. Imágenes, y un gran interés por los procesos biológicos del cuerpo humano. Entre su actividad expositiva cabe mencionar sus muestras en el MUHKA, Amberes; la Kunsthalle de Nürnberg, en 1990 participó en el Aperto de la Bienal de Venecia, en 1992 en la IX Documenta de Kassel, en el Centro Cultural de Belem, Lisboa, Museum of Contemporary Art de Helsinki, y MNC Reina Sofía en la exposición No es solo lo que ves:pervirtiendo el minimalismo.

Desprez, Bertrand. Francia, 1963. Vive y trabaja en París. Comenzó su actividad fotográfica en 1989, realizando un trabajo sobre los Estados Unidos, al que seguirán series de retratos de músicos de jazz, reportajes de viajes, las cuatro estaciones en Japón, y otros encargos para medios de prensa franceses como Jazz Magazine, Libération, L’Express, Télérama y Géo. Entre 1993 y 1996 documenta ampliamente aspectos de la adolescencia con la colaboración directa de jóvenes estudiantes parisinos. Cuenta con varias publicaciones monográficas de su obra en Editions Actes Sud, premios franceses e internacionales, así como diversas exposiciones en festivales, galerías y espacios públicos de Arles, París, Tokio, Kyoto, Florencia y Nueva York. Desde 1999 es miembro de Agence Vu, París.

Dijkstra, Rineke. Sittard (Holanda), 1959. Vive y trabaja en Amsterdam. Todo su trabajo, siempre retratos frontales, bien individuales o de grupos, se centra en adolescentes y jóvenes en distintos momentos y actitudes. Madres jóvenes, soldados israelíes, escolares, muchachas en jardines, chicos y chicas en la playa, junto al mar. Momentos al margen de sus dificultades y preocupaciones cotidianas, pues la artista no busca la anécdota biográfica sino la intensidad interior en cada uno de ellos. Entre sus exposiciones destacan las realizadas en el MOMA, Nueva York; Museum Folkwang, Essen; Sprengel Museum, Hannover; Boijmans Van Beuningen; Rotterdam; o la Bienal de Venecia, además de galerías de Europa y Estados Unidos.

Divola, John. Los Angeles (Estados Unidos). Centrado en la fotografía como método de análisis, Divola  tiene una larga trayectoria en temas como la frontera,  transgresiones y crímenes, obras que ha expuesto en muy diferentes lugares del mundo en galerías privadas y centros públicos, como Australia, Holanda o Japón. Algunos de estos centros han sido la PhotoBiennale de Enschede, Seibu Gallery de Japón, The Center for Creative Photography de Arizona, el Museo Carrillo Gil de México D.F. o el Whitney Museum de Nueva York. Ha obtenido diversos premios y ayudas a su trabajo, entre ellos el National Endowment for the Arts Photography Fellowship en 1974, 1977, 1980 y 1991. Actualmente es profesor de arte en la Universidad de California en Riverside.

Doherty, Willie. Derry (Irlanda del Norte), 1959. El trabajo de Doherty, tanto en sus fotografías como en sus vídeos o en sus películas, ha estado siempre estrechamente vinculado a la situación social y política de violencia y en ocasiones de guerra abierta, que ha vivido desde su juventud en Irlanda del Norte. Terrorismo y violencia y las calles de las ciudades en las que esto sucede son el eje de sus fotografías. Ha sido nominado para el Premio Turner en 1994. Entre sus exposiciones más recientes hay que destacar las realizadas en el ICA de Londres, en la Tate Gallery de Liverpool, en el MoMa de Oxford, la Kunsthalle de Berna, el Kunstverein de Munich, el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; en España su obra se ha visto en Barcelona, en el Palacio de la Virreina y en San Sebastián en la sala Koldo Mitxelena.

Doisneau, Robert. Gentilly, Val-de-Marne (Francia), 1912 - París, 1994. Robert Doisneau, uno de los más conocidos y prolíficos fotógrafos de reportaje franceses, es conocido por sus fotografías en las que desfilan todas las capas sociales de la sociedad francesa, en las que se mezclan las clases sociales más altas y los excéntricos en calles y cafés del París contemporáneo. Influenciado por el trabajo de Kertesz, Atget y Cartier-Bresson, Doisneau ha presentado en más de 20 libros una atractiva visión de la fatalidad humana y de la vida en la forma de una serie de momentos silenciosos que la fotografía hace eternos. Él mismo ha escrito: “Las maravillas de la vida diaria son excitantes; ningún director de cine puede recrear lo inesperado que puede encontrarse en la calle”. Estudió grabado en la Ecole Estienne en Chantilly, pero encontró este entrenamiento anticuado e inútil. Aprendió fotografía en el departamento de publicidad de una firma farmacéutica. Comenzó fotografiando detalles de objetos en 1930. Vendió su primer reportaje al periódico Excélsior en 1932. Fue asistente de cámara del escultor Andrei Vigneaux e hizo su servicio militar antes de tomar un puesto como fotógrafo industrial y de publicidad para la fábrica Renault de Billancourt en 1934. Despedido en 1939, comenzó a hacer trabajos por su cuenta. Trabajó para la agencia Rapho durante varios meses hasta que fue alistado en el ejercito en 1939. Fue miembro de la Resistencia como soldado y como fotógrafo, utilizando sus habilidades para el grabado en la falsificación de pasaportes y papeles de identidad. Fotografió la Ocupación y la Liberación de París. Inmediatamente después de la guerra regresó a trabajar por su cuenta con Life y otras importantes revistas internacionales. Se unió a la agencia Alliance durante un breve periodo y siguió trabajando con Rapho desde 1946, durante casi cincuenta años. En contra de sus inclinaciones, Doisneau fotografió moda y personajes de la alta sociedad para Vogue Paris entre 1948 y 1951. Además de su trabajo como reportero fotografió a un gran número de artistas: Giacometti, Cocteau, Léger, Braque, Picasso, Jacques Tati. Doisneau ganó el premio Kodak en 1947 y el premio Niepce en 1956. Su trabajo ha sido objeto de numerosas retrospectivas, entre ellas, en la Bibliothéque Nationale de Paris, el Art Institute of Chicago, la George Eastman House en Rochester y la Witkin Gallery, ambas en Nueva York, y en la Fundació “la Caixa”, de Barcelona.

Duchamp, Marcel. Blainville, Normandía, 1887 - Neuilly-sur-Seine, 1968 (Francia). La obra y la actitud de Marcel Duchamp marcan no solamente el paso entre dos siglos, sino una manera de entender el arte y la creación que, entre el placer de vivir y el ejercicio de la inteligencia, supondrá una fractura en la concepción y posterior producción artística. Influido en sus primeras etapas por Cézanne, los fauves, cubistas y futuristas, su trabajo derivará hacia planteamientos menos formalistas, más intelectuales y mentales, interesado por la óptica, la mecánica, el ajedrez, pero también por el placer y el deseo, cuestionando en su conjunto el status burgués de la obra de arte a través de obras como El gran vidrio o de sus célebres ready mades. Tras su participación en 1913, en el “Armory Show” de Nueva York, funda en la ciudad un grupo pre-dadá junto a Man Ray, Picabia y Alfred Stieglitz. En 1936 participa en la “Exposición Surrealista” de Londres y en “Arte fantástico, Dadaísmo, Surrealismo” en el MOMA de Nueva York. Su interés por el desdoblamiento de la personalidad del artista, el cuestionamiento de los conceptos artísticos tradicionales, la influencia del azar, la seducción, el sexo, y la pulsión voyeurística de la mirada, así como un ingenio iconoclasta e irónico, le convierten en uno de los creadores esenciales del siglo XX cuya sombra se proyecta sobre movimientos posteriores, pasando a ser referencia obligada para muchos artistas conceptuales de fin de siglo.

Egoyan, Aton. El Cairo (Egipto), 1960. Guionista, productor y director nacionalizado canadiense, que inicia desde muy joven su carrera cinematográfica con la realización de varios cortometrajes. Considerado como uno de los directores más renovadores de los últimos años, con una actividad que se amplía a la televisión, teatro y ópera, Egoyam asume como retos la exploración del lenguaje cinematográfico y la profunda interiorización de sus personajes, cargados de simbolismos. Entre sus largometrajes destacan El liquidador (The Ajuster, 1991); Exótica (1994); El dulce porvenir (The Sweet Hereafter, 1997); Los viajes de Felicia (Felicia´s Journey, 1999) y Ararat (2001). Su actividad artística se desarrolla en el campo de las instalaciones que han sido expuestas en el Irish Museum of Modern Art, Dublín, Le Fresnoy, Francia, el Oxford Museum of Modern Art, Oxford, y, recientemente, en la Bienal de Venecia, 2001.

Elsken, Ed van der. Amsterdam (Holanda), 1925-1990. Se interesa por la fotografía, a partir de 1947, al descubrir el trabajo de Weegee. Se traslada a París, donde trabajará en el laboratorio de la agencia Magnum. Conoce a Edward Steichen, comisario del MOMA, que lo seleccionará para las muestras Post-War European Photography (1953) y The Family of Man (1955), en el museo neoyorquino. Entre 1959-60 realiza un viaje alrededor del mundo, tomando numerosas fotografías y realizando vídeos, una faceta que profundizará con la realización de películas y documentales de corte independiente entre los que cabe destacar La cámara enamorada (1971) y Adiós (1990). Entre 1967-82 viajará por el mundo como fotógrafo de la revista Avenue. Su repertorio temático, recogido en numerosos libros, abarca desde el fotoperiodismo más clásico a series sobre historias de amor, conductas bohemias, el mundo del jazz, o las instantáneas urbanas que toma en Amsterdam, París y Japón, en las que se refleja el humanismo vitalista del autor. Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en Chicago Art Institute, 1955, Stedelijk Musem, Amsterdam, en 1966, 1971, 1984, 1989 y 1991, en Institut Neerlandais, París, en 1986, en Bunkamura Gallery, Tokio, 1993, en Konsthall, Rotterdam y Photographers’s Gallery, London, ambas en 1996, en Kunstmuseum, Wolfsburg, en 2000, y en la Fundació “la Caixa”, Barcelona, en 2001.

Euba, Jon Mikel. Bilbao (España), 1967. Interesado especialmente por los mecanismos narrativos, Euba utiliza tanto la fotografía como el vídeo o el dibujo, creando historias discontinuas, bien en soporte fotográfico, bien en grandes murales. En su trabajo se problematizan los límites entre lo real y lo ficticio, con una fuerte carga de experiencia personal tanto en los temas tratados como en la forma de exponerlo. Las escenificaciones que fotografía mantienen un sutil alineamiento con lo real, lo factible, siendo misteriosamente irreales. Ha expuesto en galerías privadas y en muestras colectivas, especialmente en Euskadi, entre ellas cabe destacar proyectos de Arteleku, en San Sebastián, Bilbao Arte, e Imago 99 en Salamanca.

Faucon, Bernard. Apt, Provenza (Francia), 1950. Estudia filosofía en la Universidad de la Sorbona, París. Se dedica a la fotografía desde 1975, realizando primero un trabajo con escenificaciones y muñecos, pasando posteriormente a temas relacionados con el espacio, los elementos naturales y una especial dedicación a la juventud y a la adolescencia. Ha expuesto en numerosas galerías y museos de todo el mundo, y su obra está presente en las más destacadas colecciones de fotografía internacionales.

Fellman, Sandi. Detroit, Michigan (Estados Unidos). Estudió en la University of Wisconsin, Madison. Vive y trabaja en Nueva York, combinando una prolífica carrera en la fotografía comercial con su trabajos en el ámbito artístico. Sus fotografías, se han centrado en torno a diversos temas: flores, desnudos abstractos de padres e hijos, su primer  hijo, moda, danza, fotografía mural, y a la formación de una colección de fotografías realizadas por mujeres para la firma de cosméticos Avon. Su obra actual, imágenes de mariposas, escarabajos y otros insectos, evidencia un interés entomológico por las pequeñas maravillas de la naturaleza. Durante los últimos veinte años sus fotografías se han publicado y expuesto con regularidad en casi todo el mundo, destacando la serie The Japanese Tattoo, que formó parte de la exposición “Body Art”, en el American Museum of Natural History, en 1999. Sus fotografías se encuentran en numerosas colecciones permanentes, entre las que sobresalen el Metropolitan Museum of Art y el MOMA, ambos en Nueva York;, Los Angeles County Museum, L.A.; Museum of Fine Arts, Houston; Bibliotheque Nationale, París y Center for Creative Photography, Tucson. Sandi Fellman está representada en exclusividad por Edwin Houk Gallery, Nueva York.

Figgis, Mike. Nairobi (Kenya), 1948. Director, guionista y compositor. Instalado en Londres desde muy joven, estudia música, forma parte del grupo The Gas Board y se inicia en el ámbito audiovisual con el rodaje de videoclips. Entre 1970 y 1980 fue miembro del grupo de teatro experimental The People Show; posteriormente empieza a realizar producciones teatrales con su propia compañía y a dirigir la producción televisiva, The House (1984), que le llevó a su debut cinematográfico con Lunes tormentoso (Stormy Monday, 1988), película de serie negra que le abre las puertas de Hollywood, donde rodará Asuntos sucios (Internal affairs, 1990); Pasiones prohibidas (Liebestraum, 1991); Mr. Jones (1993); Leaving Las Vegas (1995); One Night Stand (1996). Entre sus últimas producciones cabe destacar The Loss of Sexual Innocence (1998); Miss Julie (2000), y sus últimos experimentos con la tecnología digital en Timecode 2000 (2000) y Nite Vision (2001).

Formiguera, Pere. Barcelona (España), 1952. Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Barcelona. Viene desarrollando durante años un trabajo sobre el paso del tiempo en diferentes individuos, desde su infancia hasta su madurez, y también sobre la persona de su madre con retratos sistemáticos. Sus retratos, ya sean primeros planos o cuerpos enteros, lo son siempre de cuerpos desnudos, dejando que sea el tiempo la única huella que se extiende sobre la piel de sus modelos. En la década de los 80 realizó en colaboración con Joan Fontcuberta la serie de fotografías Fauna. Además de sus exposiciones en diferentes países, ha desarrollado labores de comisario de exposiciones, teórico y crítico de  fotografía.

Frank, Robert. Zurich (Suiza), 1924. En 1947 se traslada a Nueva York. Actualmente vive entre Nueva York y Mabou (Canadá). Estudia en Zurich, donde en 1941 empieza a trabajar realizando foto fija para cine, trabajo que realizará hasta 1945. En 1946 publica su primer libro de fotografías. En 1947 se traslada a Estados Unidos y en Nueva York comienza a trabajar en revistas como Harpers’s Bazaar. Es despedido a los pocos meses y desde entonces se dedica a la fotografía independiente. Realiza viajes a Perú, Bolivia, España y otros países europeos. Como fotógrafo independiente trabaja para revistas y para publicidad. En 1958 publica su libro más famoso, Los Americanos, un personal homenaje a los Estados Unidos que le valió fuertes críticas así como el reconocimiento de su labor fotográfica. A partir de 1959, Frank se dedica también al cine. La influencia de su relación con Jack Kerouac y Allen Ginsberg deja una fuerte huella en su trabajo. En 1960 funda el grupo New American Cinema, con Peter Bogdanovich y Jonas Mekas, entre otros, y rueda su película The Sin of Jesus (1961). Frank está considerado como uno de los principales autores del cine experimental americano y entre sus películas se pueden destacar Conversation in Vermont (1969) Life Dances on (1980), C’est Vrai (1990), Moving Pictures (1994), Flamingo (1996) y Fragments (2000). Ha expuesto su obra fotográfica en los museos más importantes del mundo, entre ellos el MOMA y el Whitney Museum, en Nueva York, y en España su trabajo se ha podido ver en la Sala Parpalló, Valencia, y en el MNCA Reina Sofía, Madrid, en 2001.

Freixa, Ferrán. Barcelona (España), 1950. Sus inicios en la práctica fotográfica datan de 1968, y año siguiente establece su primer estudio y laboratorio de fotografía y diseño gráfico. Ferrán Freixa es un autor que ha sabido combinar la actividad profesional en el mundo de la imagen del diseño, del interiorismo y de la fotografía arquitectónica e industrial, con su trayectoria personal como fotógrafo artístico. Sus fotografías se caracterizan por una mirada insólita, al tiempo que cotidiana, sobre aspectos compositivos de la arquitectura, de las estancias, de los juegos de luces y sombras, y de hallazgos azarosos e insospechados de objetos; todo ello en una línea que se perfila entre las abstracciones y las poéticas surrealistas, y realizado en un exquisito blanco y negro. Entre sus citas expositivas cabe destacar la participación en numerosas colectivas sobre fotografía contemporánea española realizadas en Nueva York, Tucson, New Mexico, Londres, Tremoli, México, París, así como su presencia en la itinerante Cuatro Direcciones: 1970-1990. Su obra puede encontrarse en museos y fundaciones de España, Francia, Suiza y México.

García-Alix, Alberto. León (España), 1956. Fotógrafo emblemático de todo un tipo de sociedad y actitudes, García-Alix es un artista autodidacta con una fuerte mezcla de pureza y clasicismo, algunas gotas de ansiedad por nuevas formas y unos contenidos que proceden de su propia vida personal. En 1967 se traslada a Madrid para cursar bachillerato, abandonando más tarde, en 1975, sus estudios de Derecho para dedicarse a una serie de viajes y experiencias que ilustrará a partir de unas fotografías que evolucionarán del retrato de personajes y tribus urbanas a unas imágenes más cuidadas, narración íntima de sentimientos y situaciones que se prolongan a lo largo de décadas, amigos, parejas, muertes y descubrimientos: toda una vida. En 1999 se le concede el Premio Nacional de Fotografía de España. Son especialmente conocidos sus retratos de los personajes de la ‘movida madrileña’ y otros habitantes de la noche y del lado salvaje de la vida, así como autorretratos y una muy numerosa serie de fotografías sobre tatuajes. Además de fotógrafo, ha participado muy activamente en la edición de la revista El Canto de la Tripulación, ha escrito guiones para películas y documentales y dirigido varias películas para cadenas de televisión. Sus fotografías se han expuesto en numerosas salas y galerías, entre ellas en la Galería Moriarty, Galería Juana de Aizpuru, PhotoGalería y en el Círculo de Bellas Artes, todas ellas en Madrid, y en Tecla Sala, Hospitalet de Llobregat.

García Rodero, Cristina. Puertollano, Ciudad Real (España), 1949. Realiza estudios de pintura y se licencia en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Catedrática de Fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. Desde finales de los años 60 se dedica a la fotografía de forma profesional. Ha realizado trabajos de investigación sobre las fiestas, ritos y tradiciones en diferentes países, desde España hasta Cuba, Alemania o Haití. Ha ganado el premio Eugene Smith de Nueva York en 1989, el World Press Photo en 1993, el Gellschaft Fur Photographie de Colonia en 1990, y el Premio Nacional de Fotografia de España en 1996. Su trabajo se centra en el estudio de las fiestas, ritos y costumbres sociales de sociedades muy diversas y en las reacciones de la gente común. Ha expuesto en galerías privadas y centros públicos en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica, y ha participado en la Bienal de Venecia del 2001.

Geleynse, Wyn. Rotterdam (Holanda), 1947. Antes de su más reciente exposición en la galeria Antón Wéller (Paris, 2000), Wyn Geleysne, que reside en la provincia de Ontario en Canadá, ha tenido múltiples exposiciones individuales dentro y fuera de ese país. Entre ellas destaca la del Centre d’Art Contemporain de Basse Normandie (Francia, 1997) así como su participación en la Bienal de Sao Paulo de 1987. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas entre las que se cuentan las del Musée d’Art Contemporain de Montreal, la Art Gallery of Windsor y la Fondazione Italiana per la Fotografía.

Genovés, Pablo. Madrid (España), 1959. Poco a poco la obra de Pablo Genovés ha impuesto su sello personal y diferente en la fotografía española actual. En sus fotografías atrapa algo más que imágenes. Tras un exterior suave y brillante se encuentra una visión onírica, rica y personal de la memoria. Una realidad que Genovés presenta enmarcada en dos temas claramente diferenciados. Por un lado la figura humana, con imágenes distorsionadas, sacadas de viejas películas, por otro, la celebración de la comida que presenta un inesperado misterio; un tema poco tratado en el arte actual que el artista desarrolla de una forma muy original. Desde 1989 expone habitualmente en galerías e instituciones españolas y su obra esta en colecciones privadas y públicas.

Giacomelli, Mario. Seningallia (Italia), 1925-2000. Una de las figura centrales de la fotografía italiana. Estudió en su juventud tipografía y pintura y escribió poesía desde muy joven. Comenzó a hacer fotografía en los años 30, si bien su obra más importante data de los década de los 50. En sus primeros trabajos se nota una fuerte influencia de la pintura de Morandi y la poesía de Leopardi. Sus personajes, en un blanco y negro muy contrastado, muestran una especie de melancolía característica en la obra de Giacomelli. Aunque realizó varios viajes al Tibet y a Etiopía, vivió prácticamente siempre en su pueblo natal, en las costas del Mar Adriático, realizando una obra basada en los personajes y el paisaje de su entorno. En 2001, poco después de su muerte, se ha realizado la primera gran muestra antológica, La mia vitta entera,  en el Palazzo delle Esposizioni, en Roma, en la que se muestra por vez primera todo el conjunto de su obra. Individualmente ha expuesto en galerías y museos de todo el mundo, desde el Pushkin State Museum, Moscú, en 1987, hasta el Ludwig Museum, Colonia, en 1995.

Glassford, Thomas. Laredo (Estados Unidos), 1963. El artista reside actualmente en la ciudad de México. Ha presentado su obra individualmente en los museos de Arte Contemporáneo de Oaxaca y el Museo de Monterrey, además de en galerías y ferias de arte internacionales. Su participación ha sido destacada en muestras colectivas como Erógena (Museo de Arte Carrillo Gil, México y Stedelijk Museum voor Aktuelle Kunst, Gent, 2000), InSite 97 (San Diego-Tijuana), Así está la cosa. Instalación y arte objeto en América Latina (Centro Cultural Arte Contemporáneo, ciudad de México 1997), Colección (MEIAC, Badajoz 1995) y la 5ª Bienal de La Habana (1994).

Godard, Jean-Luc. París (Francia), 1930. Nacionalizado suizo, vive y trabaja en Rolle. Director y guionista, Godard está  considerado como uno de los cineastas más singulares de la segunda mitad del siglo XX. En sus inicios, en torno a 1950, aparece vinculado al movimiento  de la Nouvelle Vague francesa junto a Truffaut, Rivette y Rohmer, y las revistas Gazette y Cahiers du Cinema, en las que publican textos teóricos y críticos. En estos años realiza películas de diversos géneros como Al final de la escapada (A bout de souffle, 1959), El soldadito (Le petit soldat, 1960), Une femme est une femme (1961), Los carabineros (Les carabiniers, 1963), Pierrot el loco (Pierrot, le fou, 1965), Week-End (1967) o La chinoise (1967), que supondrá la transición hacia su periodo político y sociológico, firmando sus trabajos en el seno del colectivo Dziga Vertov. A partir de los años setenta, el uso del vídeo será un recurso habitual en su obra que compagina con la realización de películas experimentales y otras de estructura más clásica como Todo va bien (Tout va bien, 1972), Nombre: Carmen (Prénom: Carmen; 1983), Yo te saludo María (Je vous salue Marie, 1985), Nouvelle Vague (1990). La pasión por el cine y su historia, el montaje con vídeo y el medio televisión serán una confluencia constante en estos últimos años de Godard, cuyas reflexiones quedan recogidas en Histoire(s) du Cinéma (1998).

Goicolea, Anthony. Georgia (Estados Unidos), 1971. Estudios en Madrid, Georgia y Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. A partir de su autorretrato y de la inclusión de su persona en las imágenes, el artista realiza unas elaboradas puestas en escena, con maquillajes, efectos de luz y tratamiento digital de las imágenes, en las que reinterpreta escenas características de la pubertad y la adolescencia: el primer beso, escenas escatológicas, juegos y peleas, que se nos aparecen como instantáneas de unas historias incompletas. Entre la ironía, el horror y la provocación, Goicolea aborda temas tan sugerentes como la sexualidad, el inconsciente, la clonación y multiplicación del yo, la vanidad, creando imágenes provocativas que disturban al espectador a pesar de su aparente inocencia.

Goldin, Nan. Washington (Estados Unidos) 1953. Vive y trabaja en Nueva York. Centrada en las relaciones humanas, frágiles y a la vez demoledoras, la obra de Goldin se ha convertido en una de las más conocidas de los años 90 y sin duda en una de las mas fuertes influencias para los jóvenes artistas. Ella usa la lente fotográfica como un dedo que nos indica las llagas y la intimidad de una sociedad marcada por la desolación y los efectos del amor y el desamor. Sus primeros planos, su falta de barreras y desprecio por la moral o el pudor vigente, hacen de sus fotografias unos documentos duros y a la vez entrañables que se agarran a la memoria del espectador como partes de sus propias vivencias. Sus trabajos en series sobre sus amigos, sus amantes, o su familia se han convertido en auténticos símbolos de las relaciones sentimentales del cambio de siglo. Sus obras más destacadas The Ballad of Sexual Dependency, 1981-1996 y I’ll be your mirror, son una buena muestra de su forma de trabajar: en series, fotografías y a la vez proyecciones, ambientación musical, que en sus últimas series ya se han convertido en vídeos de corta y mediana duración. Ha expuesto en los centros más importantes del mundo, entre los que se podría destacar el Whitney Museum de Nueva York, en la Kunsthalle de Viena, y, en este pasado año 2001 en el Centro Pompidou de París, una exposición que visitará el MNCA Reina Sofia, Madrid, en 2002.

Gómez, Germán. Madrid (España), 1972. Estudios de Bellas Artes, con especialización en fotografía, por la Facultad de Bellas Artes de Madrid, y de Magisterio, con especialización en Educación Especial. Compagina su actividad fotográfica con su trabajo como profesor  en un colegio de educación especial. Ha participado en diversos concursos y en exposiciones colectivas e individuales, siendo galardonado con diferentes becas, y ganando en 2001 el primer premio Injuve de Fotografía con su serie  El, ella, ellos, ellas, nosotros, nosotras.... Su trabajo se centra en el retrato, siendo su serie más conocida la de retratos de adolescentes psíquicamente discapacitados.

Gonnord, Pierre. Francia, 1963. Vive y trabaja en Madrid desde 1988. Su trabajo se centra en retratos de hombres y mujeres jóvenes, en los que el rostro y muy pocos elementos de significación conforman unos retratos fríos y aislados del momento y del lugar. Ha expuesto, entre otros lugares, en la galería Juana de Aizpuru y el Canal de Isabel II, ambos en Madrid, y en la galería Filomena Soares, Lisboa. Su obra está incluida en las siguientes colecciones públicas: MNCA Reina Sofía, Madrid; Casa Europea de la Fotografía, París; Colección Comunidad de Madrid; Fundación de Fútbol Profesional, Madrid; Museo de Arte Contemporáneo de Alava. Ha sido presentado por la galería Juana de Aizpuru en ARCO, Art Basel y Paris Photo.

González Torres, Félix. Guáimaro (Cuba) 1957 - Nueva York (Estados Unidos) 1996. Procedente de la emigración cubana, recala primero en España, después en Puerto Rico y finalmente en Nueva York, con estancias en Miami. Su obra, de muy difícil definición, consiste en instalaciones, fotografías, vídeos, impresiones, todo ello con un contenido fuertemente subjetivo y autobiográfico. Su obra se ha expuesto recientemente en el Sprengel Museum de Hannover, Museum Moderner Kunst de Viena, MoCA de Los Angeles, Musée d’Art  Moderne de la Ville de Paris, Guggenheim de Nueva York y Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela.

González, Juan. Madrid (España), 1973. Vive y trabaja en Valencia. Formado en Imagen y Sonido en la Universidad de Alicante y en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia, a lo largo de su corta pero exitosa carrera ha recibido vairas becas y premios. El espacio habitado o despojado, desde una perspectiva vital, social e incluso íntima, es el eje de sus distintas series: Habitaciones, centrada en los cuartos vacíos de monjas de clausura, Valeriola, una suerte de arqueología y residuo de lo cotidiano en el paisaje desierto de la calle, o Salones, la representación de la comedia ritual de los banquetes y almuerzos colectivos despersonalizados con la eliminación de los rostros de los comensales. Su obra ha sido expuesta en instituciones españolas como el Canal de Isabel II, Madrid (1999) o el IVAM, Valencia, además de eventos internacionales como la Feria de Miami (2001), con la galería Luis Adelantado, de Valencia.

Göttlicher, Björn. Bamberg (Alemania), 1972. Formado como foto-diseñador en la Fachhochschule de Dortmund y en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, donde fue alumno de Manolo Laguillo. Durante una época vivió y realizó prácticas en el estudio de Gerhard Vormwald en París. Se ha dado a conocer en el mundo de la fotografía con su obra Polaserien, una obra íntima que roba instantes muy personales a gente desconocida. Su último proyecto, realizado en el 2000, In memoriam Barri X  es una serie de fotos analíticas sobre un barrio de Barcelona. Actualmente vive en Barcelona y trabaja como fotógrafo de arquitectura y reportajes en España y Alemania. Ha publicado en varias revistas internacionales como Merian, Spiegel Reporter, La Vanguardia, Altair o Camera Austria.

Graham, Dan. Urbana, Illinois (Estados Unidos), 1942. Desde mediados de la década de los sesenta Graham ha producido un importante conjunto de obra visual y teoría comprometidas con un discurso altamente analítico sobre las funciones históricas, sociales e ideológicas de los sistemas culturales contemporáneos. La arquitectura, la música popular, el video y la televisión son centros en torno a los cuales giran sus investigaciones que se articulan en ensayos, performances, instalaciones, vídeos y diseños escultórico-arquitectónicos. Graham comenzó a utilizar cine y video en los años setenta, creando performances e instalaciones que involucran activamente al espectador en cuestiones perceptuales y psicológicas sobre lo público y lo privado, lo objetivo y lo subjetivo. Sus primeras instalaciones incorporan frecuentemente circuitos cerrados de video dentro de construcciones arquitectónicas. La percepción del espectador es manipulada mediante diversos recursos como proyecciones, retardos, sistemas de vigilancia y espejos. Graham ha publicado numerosos ensayos críticos y es el autor de Video-Architecture-Television (1980). Su trabajo forma parte de colecciones institucionales importantes en Estados Unidos y Europa entre las que se incluyen el Moderna Museet, Stockholm, el Centre Georges Pompidou, París y The Tate Gallery, Londres. Ha tenido muestras restrospectivas en Eindhoven, Oxford, Berne, Chicago y Perth. Ha participado en diversas muestras colectivas y ferias internacionales. Actualmente vive en Nueva York.

Greenaway, Peter. Newport, Gwent, Gales (Reino Unido), 1942. Vive y trabaja en Londres. Conocido por su actividad como pintor, en 1955 comienza a trabajar como editor cinematográfico. Inicia la realización de sus propias películas en 1966, simultaneando su trabajo cinematográfico con la pintura, y su faceta de novelista e ilustrador de libros. Tras la realización de varios cortos, la película El contrato del dibujante (The Draughtsman’s Contract, 1982) le sitúa entre los directores más originales y sofisticados del cine contemporáneo. Algunas de sus películas como El vientre del arquitecto (The Belly of an Architect, 1987); Conspiración de mujeres (Drowning by Numbers, 1988); El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (The Cook, The Thief, His Wife and Her Lover ,1989); Prospero’s Book (1991); The Baby of Macon (1993); y The Pillow Book (1995), han sido merecedoras de diversos premios internacionales. En el ámbito artístico diversifica su trabajo entre las exposiciones de su propia obra (Palais de Tokio, París; Australian Center for Contemporary Art, Melbourne; Museo Rufino Tamayo, México D.F.; Centro Cultural del Banco de Brasil, Río de Janeiro; Casa da Parra, Santiago de Compostela, Galleria Nazionale, Parma), y las direcciones de montaje y comisariado de exposiciones, entre las que cabe citar The Physical Self, Boymans-van Beuningen, Rotterdam, 1991; Watching Water, Palazzo Fortuny, Venecia; Fliying Over Water, Fundación Miró, Barcelona, o su reciente participación en la Bienal de Valencia de 2001.

Grimonprez, Johan. (Isla de Trinidad), 1962. Estudió en la Akademie voor Schone Kunsten, la School of Visual Arts en Nueva York, en el Whitney Museum Independent Study Program, de Nueva York, y en la Jan Van Eyck Akademie, de Maastricht. Actualmente vive entre Gante y Nueva York. Sus trabajos, en vídeo, se han mostrado en el Centro Georges Pompidou, París, la Documenta X de Kassel, la Deste Foundation, en Atenas, la Kunsthaus de Zurich y, en España, en el Centro Galego de Arte Contemporánea, en Santiago de Compostela. Sus trabajos más conocidos, como “Dial H-I-S-T-O-R-Y” o la videoteca móvil “Prends garde! A jouer au fantôme, on le devient”, constituyen una trama de interrelaciones entre lenguaje visual, culturas, historia, política, medios de comunicación, ironía y humor, y en donde la violencia y el miedo son contemplados como elementos cotidianos, desmitificados y descontextualizados en un dinámico collage de secuencias televisivas de documentales e informativos.

Gursky, Andreas. Leizpig (Alemania), 1955. Creció en Düsseldorf, donde vive y trabaja. Se inició en la fotografía gracias a su padre, un fotógrafo comercial de éxito. En sus estudios fue alumno de Otto Steinert, en la Folkwangschule de Essen, y de Bernd Becher en la Kunstakademie de Dusseldorf. Sus fotografias de aglomeraciones humanas o urbanísticas, autopistas, arquitecturas colosales, interiores minimalistas, campos deportivos, o grandes paisajes de naturalezas sublimes, han caracterizado parte de la fotografia alemana a lo largo de los años 90. Sus trabajos, a color y en grandes formatos, con una calidad muy depurada, se adentran en un mundo en primer plano que llega a convertirse en el reflejo opulento y espectacular de la sociedad artística actual y en símbolos de la civilización occidental. Está representado por las galerías Monika Sprüth, Colonia, y Mathew Marks, Nueva York. Entre sus diversas exposiciones cabe señalar las realizadas en Portikus, Frankfurt, 1995; Kunsthalle, Düsseldorf, 1998; Serpentine Gallery, Londres, 1999; MoMA, Nueva York, y Palacio de Velázquez, MNCA Reina Sofía, Madrid, en 2001.

Hilliard, David. Lowell, Massachussets (Estados Unidos), 1964. Estudia Bellas Artes en Boston y consigue un master en la Universidad de Yale. En 1995 viaja a Barcelona con una Beca Fullbright. En una selección de sus exhibiciones individuales y colectivas destaca su intensa presencia dentro del medio español desde 1997 con la presentación de la muestra individual A Life in Progress en el Espai Fotográfic Can Baste en Barcelona. A esta exposición se le suman muestras en el Patio de Escuelas de la Universidad de Salamanca y en el Centro de Fotografía de Tenerife. Colectivamente ha participado en 7 x 7 x 7 en la Sala Rekalde en Bilbao, Retratos de Todos los Días en el Canal de Isabel II y en ARCO 98. El entorno inmediato del artista y la vida cotidiana, con sus miserias, alegrías y aspectos insospechados vertebran su trabajo, en el que habitualmente utiliza técnicas de narración que le acercan al lenguaje cinematográfico. Su trabajo ha sido presentado en la revista Blind Spot y forma parte de colecciones públicas y privadas en Estados Unidos, España y Francia. 

Hilliard, John. Lancaster (Gran Bretaña), 1945. Actualmente vive en Londres e imparte clases en la Slade School of  Fine Art. La obra de Hilliard nos plantea una gran variedad de opciones teóricas y formales acerca de la representación, de la pervivencia de la memoria, de la superposición y diálogo de planos y de imágenes. No se trata de un formalismo nuevo sino de planteamientos profundamente teóricos aplicados a la imagen fotográfica. Entre sus temas, destacan los límites de la identidad, de la representación, real y fantasmagórica, y por supuesto una puesta en escena a veces violenta y otras irónica, pero siempre misteriosa. Ha expuesto, además de en decenas de galerías privadas en toda Europa, en el MOMA de Oxford, Ikon Gallery de Birmingham, Sprengel Museum de Hannover, ICA de Londres, Kunsthaus Dresden, Kölnischer Kunstverein de Colonia, y en España, en 1999, en el Centro de la Fotografía de Salamanca y en el Palacio de Revillagigedo en Gijón.

Hine, Lewis. Estados Unidos, Wisconsin 1874 – Nueva York, 1940. Comienza sus estudios en la Facultad de Sociología de la Chicago University en 1900 para continuar más tarde su carrera universitaria en la Columbia University de Nueva York. En 1904 comienza a hacer fotos, aunque hasta acabar los estudios no se dedicó a ello en profundidad. Dirigió un foto club y se dedicó a la docencia. En 1906 comienza a trabajar en un proyecto para el National Child Labour Committee (NCLC) que no finalizaría hasta 1917. Viaja desde su ingreso en la Cruz Roja, en 1910, por distintos países de Europa, entre ellos Francia, Italia y Grecia, cambiando su estilo fotográfico y evolucionando desde un documentalismo plano y aséptico a una fotografía  más marcada por el subjetivismo y la Interpretación personal de la realidad. Su trabajo Child Labour in Carolina fue determinante en la nueva ley laboral para la infancia. En 1930 realizaría por encargo su obra más conocida sobre la construcción del Empire State  Building, en Nueva York, obra que él mismo definió como “interpretación de la industria”. Está considerado como el principal autor de la fotografía social y documental en Norteamérica, y es un artista de gran influencia en la fotografía documental de carácter social en todo el mundo. Su obra, presente en las más importantes colecciones del mundo ha sido expuesta individual y colectivamente en todo el mundo. En España, el IVAM, en Valencia, le ha dedicado una gran exposición individual.

Hopper, Dennis. Dodge City, Kansas (Estados Unidos), 1936. Vive en Venice, California. Después de numerosos e importantes papeles secundarios en diversas películas, escribe, dirige y protagoniza Buscando mi destino (Easy Rider, 1969), una road movie emblemática que obtiene un notable éxito de crítica y audiencia, a la que seguirán La última película (The last movie, 1971), Caído del cielo (Out of The Blues, 1980) o Colors (1996). Su trayectoria se nutre de numerosas interpretaciones en filmes como El amigo americano (Der amerikanische Freund, 1977) de Wim Wenders, Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola o Terciopelo Azul (Blue Velvet, 1986), de David Lynch. Su labor artística, principalmente fotográfica, aunque también se incluyen pinturas y performances, se remonta a 1961, y ha sido expuesta en Fort Worth Art Center, Texas; Tony Shafrazi Gallery, New York; Museum of Fine Arts, Houston; Kunsthalle Basel, Basilea; Sala Parpalló, Valencia; Galerie Hans Mayer, Dusseldorf; Parco Gallery, Tokio o, su última retrospectiva, en Stedelijk Museum, Ámsterdam, 2000.

Illana, Fernando. Talavera de la Reina, Toledo (España), 1950. Actualmente vive y trabaja en Vitoria. En su trabajo los materiales y lenguajes empleados se suceden a partir de los objetivos conceptuales del artista, que a pesar de la utilización de la fotografía en algunos de sus trabajos, no se puede considerar como un fotógrafo sino como un artista cercano a las premisas conceptuales. Desde 1974 mantiene una fuerte presencia con exposiciones individuales y colectivas en el norte de España y en ferias internacionales como ARCO o Art Basel, entre otras. Su obra ha estado presente en exposiciones como 40m2 Utiles, Sala Amárica, Museo de Bellas Artes de Alava, Vitoria-Gasteiz, 1991; Decouvertes 92, Grand Palais, París, 1992; Adentro Afuera, Galería Trayecto, Vitoria, 1996; Memoria y Topografía, Galería Vanguardia, Bilbao, 1998; Art Forum Berlín, 1999.

Jaar, Alfredo. Santiago de Chile (Chile), 1956. Actualmente vive en la ciudad de Nueva York. Artista conceptual, utiliza habitualmente la fotografía en sus instalaciones. En el conjunto de su obra, Alfredo Jaar ofrece una crítica radical de la concepción occidental del mundo que lo divide entre el centro (occidente) y la periferia (los otros). Al darle voz a los pueblos que todavía están luchando por el reconocimiento y la dignidad, evoca un mundo en el que todos somos ‘otro’, y en el que todos los rostros tienen su propia historia individual de opresión, resistencia y marcha hacia la libertad. Una selección de sus exposiciones recientes incluye las siguientes: Francke and Schulte Gallery, Berlín; Bienal de Johannesburgo, en 1997; Happy End, Kunsthalle de Dusseldorf; Macht/Onmacht, MUKHA, Amberes, en 1996; y, más recientemente, en el Centre d’Art Santa Mónica, Barcelona. Ha publicado más de 30 libros de artista que registran sus piezas y sus viajes alrededor del mundo.

Kertesz, André. Budapest (Hungría), 1894 – Nueva York (Estados Unidos), 1985. Al tiempo que empezó a servir en el Ejército Austro-Húngaro en los Balcanes comenzó a hacer fotografías que documentaban la Revolución húngara de 1918. En 1917 trabajaba ya para el periódico Erkedes Ujsag como fotógrafo publicista.  Ese mismo año viajó a Paris donde se instaló como retratista e ilustrador formando parte del grupo artístico  de Montparnasse en donde fotografió a varios artistas y escritores. Además de trabajar independientemente con varias revistas comenzó a exponer su trabajo artístico en 1927. Se volvió un fotógrafo muy popular gracias a sus imágenes de la ciudad de Paris de los años treinta tomadas con una cámara Leica que les daba un aire de espontaneidad. De esta época son también sus Distorsiones: fotografías de cuerpos reflejándose en espejos deformados. Fue inspiración de Brassaï, Capa o Cartier-Bresson por su manera de capturar el Paris poético con la cámara. En 1936 se traslada a Nueva York donde hace fotografía de moda e interiores para las revistas de Condé Nast. Esta ciudad también sería infinitamente fotografiada a través de su lente. Entre sus múltiples premios y homenajes en 1974 recibió del gobierno francés el titulo de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras. Sus obras han sido expuestas por todo el mundo desde el MOMA, hasta la Bibliothèque Nationale de Paris o la Documenta en Kassel.

Kiarostami, Abbas. Teherán (Irán), 1940. Mientras estudia bellas artes, trabaja como pintor, diseñador de carteles y técnico de cine publicitario. En 1969, crea el Departamento Cinematográfico del Instituto de Desarrollo Intelectual de Niños y Adolescentes; posteriormente, rueda varios cortometrajes didácticos y dedica tres largometrajes a la crítica y análisis de la problemática educativa iraní. Con A través de los olivos (Zir e darakhtan e zeyton, 1994) se da a conocer de manera internacional, sin embargo Y la vida continúa (Zendegi Edameh Darad, 1992), es considerada por algunos críticos como su obra maestra. La presencia de sus fotografías en ferias y exposiciones de arte se ha hecho cada vez más frecuente, destacando su actividad a través de la Galerie de France, París, o su participación en muestras como La ciudad de los cineastas, CCCB, Barcelona, o en el marco del Festival de Cine de Valladolid, ambas en 2001.

Kubrick, Stanley. Manhattan, New York (Estados Unidos), 1928 – Hertfordshire, Londres (Inglaterra), 1999. Comienza a trabajar como fotógrafo para la revista americana Look Magazine, entre 1945-1950, pero pronto enfoca su curiosidad hacia el cine. Dotado de una inteligencia casi obsesiva y los recursos básicos de la profesión, progresa hasta situarse como uno de los directores más reconocidos de la segunda mitad del s. XX, con films que abarcan todos los géneros cinematográficos: Atraco Perfecto (The Killing, 1956); Senderos de gloria (Paths of Glory, 1958); Espartaco (Spartacus, 1960); Lolita (1962); Teléfono rojo, ¿volamos hacia Moscú? (Stop Waring and Love The Bomb, 1963); Odisea en el espacio: 2001 (2001: A Space Odyssey, 1968); La naranja mecánica (The Clockwork Orange, 1971); Barry Lindon (1975); El resplandor (The Shine, 1980); La chaqueta metálica (Full Metal Jacket, 1987). Eyes Wide Shut (1999), es su última película estrenada póstumamente.

Lehtola, Jouko. Helsinki (Finlandia), 1963. Estudia Arte, Diseño y Fotografía en la Universidad de Helsinki. Su trabajo expuesto ampliamente en su país (donde ha ganado los premios y ayudas más destacados para jóvenes fotógrafos) se centra básicamente en la juventud en sus distintos aspectos sociales, sus series más célebres son Young Heroes (1995-1996),  Urban Youth (1997-2000) y Marked Skin (1999). Sus imágenes de jóvenes en fiestas, discotecas, reuniones juveniles, borracheras, ofrecen una fiel representación de algunos usos y costumbres de los jóvenes occidentales.

Leonard, Zoe. Liberty, New York (Estados Unidos), 1961. Desde los años ochenta  Zoe Leonard se ha mantenido activa dentro del mundo artístico en una diversidad de disciplinas que van desde la fotografía y el vídeo hasta el cine o el teatro.  Además de una innumerable serie de participaciones en exposiciones colectivas en galerías de todo el mundo (Israel, Croacia, Suiza, Australia o Polonia entre otros), participó en la Documenta IX y recientemente ha tenido muestras individuales en el Centre National de la Photographie (Paris 1998) y en el Philadelphia Museum of Art (Philadelphia 1998). Siempre en blanco y negro, la artista tiene series muy diversas, desde un remake del “Origen del Mundo de Courbet”, hasta la serie sobre paisajes y animales que presentó en París. En 1997 participó en la Bienal del Whitney Museum of American Art en Nueva York.

Lobato, Xurxo. A Coruña (España), 1956. Vive y trabaja en A Coruña. Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad de Santiago de Compostela, ha sido corresponsal gráfico en diversos medios como El País, Agencia Cover, Cambio 16, Der Spiegel, y en la actualidad es jefe de Fotografía y Archivo gráfico de La Voz de Galicia. Los contrastes y la convivencia del contexto rural y vernáculo de la Galicia popular y las penetraciones y desajustes de la posmodernidad urbana, caracterizan las imágenes de Lobato, tomadas como fragmentos representativos de una sociedad en la que se funden el kitsch y lo pintoresco con la ternura y la melancolía en el paisaje atlántico qe vertebra el camino de Santiago. Entre sus numerosas publicaciones destacan Imaxes da arte en Galicia, 1991, Fundación Barrié, A Coruña; La flecha amarilla, 1998, El País-Aguilar, Madrid; Compostela, tradición y vanguardia,  Ed. Lunwerg, 2000. Su obra ha sido expuesta, entre otros centros, en la Fundación Caixa Galicia, A Coruña, 1996; Círculo de Bellas Artes, 1997, y Photogalería, 2002, ambas en Madrid.

Lockhart, Sharon. Norword, Massachusetts (Estados Unidos), 1964. Actualmente vive y trabaja en Los Angeles, California. Después de sus estudios de Bellas Artes en San Francisco y de recibir diversas becas, como la de la Rockefeller Foundation para vídeo, cine y multimedia, desarrolla un trabajo basado en la fotografía y en el video. Ha expuesto entre otros en el Museum of Contemporary Art de Chicago, en el Boijmans van Beuningen de Rotterdam, en la Deichtorhalle de Hamburgo y en la última edición de la Bienal de Lyon. Todo su trabajo tiene una fuerte influencia del cine y de sus clásicos, así como referencias constantes a temas literarios. Uno de sus temas habituales es la adolescencia y el paso de la pubertad a la madurez, dotando a sus imágenes de un fuerte contenido psicológico.

Lüthi, Urs. Lucerna (Suiza), 1947. Actualmente vive en Munich y Kassel, Alemania. En su trabajo emplea todo tipo de lenguajes y soportes, siendo uno de ellos la fotografía. Una de las características de su trabajo es la forma en la que el involucra su propia vida y su presencia física en la obra de arte, dotándola de un dramatismo que contrasta con la aparente superficialidad de un mundo feliz y con ciertas notas de surrealismo. La importancia de que el artista “sea un espejo” para los demás, para el otro, se mantiene viva a lo largo de su trabajo. Ha expuesto tanto individual como colectivamente en cientos de ciudades a lo largo de todo el mundo, en galerias privadas y museos e instituciones públicas. La última exposición, “Run for your Life. Placebos & Surrogates”, se ha visto en el Instituto Suizo de Nueva York en el 2000. Desde 1994 es profesor en la Kunsthochschule de la Universidad de Kassel.

Lynch, David. Missoula, Montana (Estados Unidos), 1946. Realiza estudios de arte a lo largo de los años 60. Interesado inicialmente por la pintura, su carrera cinematográfica se inicia con la inquietante Cabeza Borradora (Eraserhead, 1976), a la que seguirán El hombre elefante (The Elephant Man, 1980) o la legendaria Terciopelo Azul (Blue Velvet, 1986). Alternará cine y televisión consiguiendo el reconocimiento masivo tras dirigir la serie Twin Peaks y ganar la Palma de Oro de Cannes con Corazón salvaje (Wild at Heart, 1990), a la que seguirán Carretera prohibida (Lost Highway, 1997), Una historia verdadera (The Straight Story, 1999) y Mulholland Drive (2001). En su actividad artística conviven la pintura y la fotografía, con obras que han sido expuestas en galerías y museos de todo el mundo, desde Leo Castelli Gallery, New York, al Touko Museum of Contemporary Art, Tokio, pasando por la Sala Parpalló, Valencia.

Madoz, Chema. Madrid (España), 1958. Realiza su primera exposición fotográfica en 1985 a la que le siguen múltiples muestras individuales y colectivas en galerías y museos de España, y otros países. Su obra se centra en el universo de los objetos y las apariencias múltiples, las asociaciones y los juegos de relaciones, en los que poesía objetual y la memoria del surrealismo esta siempre presente. Su trabajo , siempre en blanco y negro, ha servido para abrir los museos nacionales a los artistas fotógrafos más jóvenes  Desde 1994 presenta cada año su obra en ARCO. El año pasado el MNCARS le dedica una importante muestra que reúne su trabajo entre 1990 y 1999. Tiene obra en importantes colecciones institucionales entre las que destacan el CGAC, el IVAM, la Fundación Juan March, el Museo Marugame Hirai (Japón) y la Fundación Telefónica.

Man Ray. Filadelfia (Estados Unidos), 1890 - París (Francia), 1976. Fotógrafo, pintor y cineasta estadounidense cuyo verdadero nombre era Emmanuel Rudnistky. Experimentador incansable de las técnicas fotográficas con efectos nuevos y yuxtaposiciones sorprendentes. Despreocupado de lo artesanal utilizó la solarización, la explosión del grano y las impresiones “sin cámara” que llamó ‘rayografías’, elaboradas a partir de la colocación de objetos directamente sobre el papel fotográfico y su posterior exposición a la luz. En 1910, abandona sus estudios de arquitectura para introducirse en el campo de la pintura abstracta. Pocos años después se interesa por la fotografía y, en 1918, organiza su primera exposición. En 1921, se establece en París como fotógrafo profesional, integrándose en los grupos dadaísta y surrealista. A pesar de su interés en ser conocido como pintor, se hizo internacionalmente famoso como el fotógrafo de la intelectualidad que vivió en el París de entreguerras realizando retratos de toda la élite cultural: Breton, Joyce, Eliot, Schoenberg, Picasso, Matisse, Max Ernst, Brancusi, Artaud, Stein, y Hemingway, entre otros. En su faceta cinemtográfica, dirige en 1923 Retour a la raison, película de cinco minutos equivalente en cine a los fotogramas y "rayografías" que elaboraba en su laboratorio fotográfico. En 1925, colabora en la película de Duchamp, Anemic Cinema, a la que le siguieron, en la misma línea de su obra inicial, Emak Bakia (1927) y L'étoile de mer (1928) De 1940 a 1951, colabora como co-guionista y actor en el largometraje Dreams That Money Can Buy (1946), e interpreta Dadascope (1956-1961).

Mann, Sally. Lexington, Virginia (Estados Unidos), 1951. Vive en Lexington con su familia, en la misma casa donde nació. Ha recibido premios y becas de la NEA, la NEH The Friends of Photography y de la Fundación John Simon Guggenheim. A pesar de su estrecha unión con su tierra, ha expuesto su obra e impartido clases y seminarios en Estados Unidos y en Europa. Su trabajo más conocido gira sobre el crecimiento, la infancia y pubertad de Jessie, Emmett y Virgina sus hijos. Aunque su actual trabajo trata del paisaje de su tierra, los retratos de su familia (Immediate Family) realizados desde los años 80 en adelante han definido su trabajo, le han valido varios juicios por atentado a la moral y convertirse en un símbolo de la fotografía actual.

Mar, Marina del. Almería (España), 1963. Su trabajo como fotógrafa de prensa le permite acercarse a un mundo de inauguraciones y eventos sociales que tiene muy diversas facetas. Al margen del hecho informativo, desarrolla una investigación visual en aspectos sociales y siempre muy cercanos al mundo de la mujer. La familia, el ocio, el consumo y la belleza en la sociedad actual y, por supuesto, los cócteles de sociedad, inauguraciones y encuentros públicos, son los temas que desarrolla en su trabajo. Destaca en ellos la aproximación directa y los enfoques muy relacionados con el mundo del cine. Ha expuesto dentro de proyectos y encuentros fotográficos como PhotoEspaña, Madrid, 1999 o Encontros da Imagem, Festival Internacional de Braga, en 2000.

Marker, Chris. Neuilly-sur-Seine (Francia), 1921. Vinculado desde los años 50 a las prácticas del documental moderno, la amplia obra de Marker -entre la que se cuentan títulos clásicos e inclasificables como La jetée (1962), Le joli mai (1963), Si j'avais quatre dromadaires (1966), Le fond de l’air est rouge (1977), Sans soleil (1982) o Le tombeau d’Alexandre/The Last Bolshevik (1993)- ha navegado durante décadas entre cine, escritura y fotografía. En los años noventa ha explorado asimismo los ámbitos de la televisión, la instalación audiovisual (Silent Movie, 1995) y los soportes digitales e interactivos (Immemory, CD-Rom, 1998, Editions du Centre Pompidou, Paris). Sus últimos trabajos cinematográficos han sido los filmes Level Five (1996) y Une journee d’Andrei Arsenevitch (2000), así como la obra abierta Roseware (desde 1998), o el guión de Twelve Monkeys (Doce Monos, 1995), dirigida por Terry Gillian. Sus proyecciones y videoinstalaciones han sido expuestas en la Fundació Antoni Tápies, Barcelona, y en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, en 1999, y en muestras colectivas como Video Spaces: Eight Installations, MOMA, Nueva York, 1995, o Lugares de la memoria, EACC, Castellón, 2001.

Markus, Kurt. Roundup, Montana (Estados Unidos), 1947. Kurt Markus ha tenido varias vidas como fotógrafo, comenzando notablemente con su trabajo sobre los vaqueros del oeste americano. La fotografía de moda es su interés más reciente. Cualquiera que sea el tema, se le conoce sobre todo por su sentido del realismo y su acercamiento decididamente directo y nada artificial a la creación de imágenes. Las fotografías de Kurt Markus  han aparecido en una amplia variedad de revistas y libros que incluyen las ediciones francesa, británica y australiana de  Vogue, Esquire, Mirabella, Travel & Leisure, New York Times Magazine, Elle, Men’s Journal, American Way, New Yorker Entertainment Weekly, Interview and Harper’s Bazaar. En 1994, Rolling Stone seleccionó a Markus como uno de los cinco fotógrafos participantes en una edición especial por el 25 aniversario que presentaba a las leyendas vivas del rock and roll. A sus tres libros sobre vaqueros, After Barbed Wire (Twelvetrees, 1985), Buckaroo (New York Graphic Society, 1987) y Cowpuncher (Wild Horse Island Press, 2000) le siguieron una pequeña monografía de foto de moda, Dreaming Georgia (Cut, 1994); y Boxers (Twin Palms, 1998). Ha  hecho campañas de publicidad para clientes como Calvin Klein, Sony, Armani, Nike, AT&T, Perry Ellis, Sonia Bogner, Levi’s, BMW, Giorgio of Beverly Hills, and Tommy Hilfiger. Ha expuesto su trabajo en Staley-Wise Gallery, New York; Photology, Milan y Parco Gallery, Tokio entre otras.

McAlinden, Mikel. Oslo (Noruega), 1963. Cursa estudios en el National College of Art and Design en Bergen. Actualmente es profesor de fotografía en la Kunsthogskolen de Bergen. Ha conseguido un notable número de becas y apoyos institucionales en su país y su trabajo forma parte de muchas de las más importantes colecciones de arte y fotografía noruegas. En un esfuerzo por transformar las ideas sobre la percepción, piensa que las técnicas digitales le permiten una mayor libertad para superar las restricciones de las tradicionales cámaras analógicas. Haciendo honor de su condición de artista digital, su website es una auténtica galería virtual en la que expone algunos de sus trabajos, como Endgame. En esta serie explora las posibilidades de una partida de póker como un pretexto para alterar la percepción de la información visual. Ha expuesto individualmente en el Ostfold Artist Centre, Fredrikstad, 1999; Rogaland Artist Centre, Stavanger, 1999; y Gallery K., Oslo, 1999.

Mendieta, Ana. La Habana (Cuba), 1948 - Nueva York (Estados Unidos), 1985. Artista performer y fotógrafa, realizó también numerosos vídeos de sus acciones. En su trabajo están presentes los rituales de la sangre, de la vida, del sexo y de la muerte, ambientados con elementos de santería cubana y, también, de la violencia de una sociedad de la que no podría mantenerse ajena. Murió en Nueva York después de una violenta discusión con su marido, el escultor Carl André, en circunstancias que no llegaron nunca a ser totalmente aclaradas. El cuerpo y su huella es el eje de su obra, que expondría en vida y después de su fallecimiento en prácticamente todo el mundo. Entre las muestras individuales destacan la del Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana, el New Museum de Nueva York y el City Museum de Helsinki. En España su obra se ha visto ampliamente expuesta en el Centro Galego de Arte Contemporáneo, en Santiago de Compostela, en 1996.

Messager, Annette. Berck-sur-Mer, (Francia) 1943. Vive y trabaja en París. En 1960 ingresa en la Ecole National Supérieure des Arts Décoratifs de París. En 1965 un premio de fotografía le permite viajar por todo el mundo. Influenciada por el art brut de Jean Dubuffet confecciona objetos ligados a su propia cotidianeidad con textiles, periódicos, dibujos y fotografías. Su trabajo aborda, con acento autobiográfico, cuestiones como el cuerpo, la identidad, la infancia, las obsesiones, los miedos, las perversiones, etc., a través de distintos soportes que van desde el dibujo a la escultura pasando por instalaciones de objetos y fotografías. Entre sus exposiciones destacan la retrospectiva de 1995 en el Musée d'Art Moderne de la Ville de París; Los Angeles County Museum of Art; Museum of Modern Art, Nueva York, y, en el Palacio de Velázquez, Madrid, en 1998.

Michals, Duane. Pensilvania (Estados Unidos), 1932. Michals nació dentro de una familia de clase media típica de Pensilvania. Se interesó por el arte y después de obtener una licenciatura continuó su formación dirigida al diseño gráfico, sin embargo no completó sus estudios debido a numerosos trabajos dentro del mundo editorial. En 1958 viajó a Rusia con una cámara prestada. El resultado de esta experiencia espontánea, básicamente retratos simples y directos, le convenció para convertirse en fotógrafo. Dos aspectos fundamentales que ha desarrollado dentro de su trabajo son por un lado las foto-secuencias, particularmente en dos ejemplos incluidos en este número: Things are Queer y Alice’s Mirror, y por otro la integración del texto en sus fotografías. Las superposiciones de imágenes y el tratamiento fotográfico de diversas técnicas narrativas han caracterizado su trabajo.  En este aspecto se puede considerar su trabajo como el de un pionero en las nuevas formas fotográficas. También ha trabajado en diferentes series en las que manipula la fotografía por medio de pintura y dibujos. Ha publicado varios libros, al margen de los catálogos de sus exposiciones, actividad que le es particularmente grata, varios ellos como recopilación de series de sus trabajos  y otros muy variados, entre los que se incluyen libros infantiles. Como fotógrafo ha expuesto prácticamente en todo el mundo, destacando su exposición en el MOMA en la década de los 70. Posteriormente su obra se ha visto en los grandes museos de todo el mundo y esta en las mejores colecciones privadas y públicas. En España la última gran muestra tuvo lugar en el Museo Reina Sofía en 1997. Duane Michals es uno de los artistas clásicos de la fotografía que más han influenciado a las nuevas generaciones de artistas.

Misrach, Richard. Los Angeles, California, (Estados Unidos), 1949. Empieza estudios de matemáticas en la Universidad de Berkeley, que cambia por los de psicología. Su afición al surf y al esquí le hacen viajar por distintas zonas de los Estados Unidos y le descubren el desierto californiano, uno de los temas de referencia de su trabajo posterior. Desde su juventud es un activo y crítico miembro de los grupos de acción antibélica. Su trabajo siempre se ha desarrollado en una relación muy estrecha con la edición de sus libros y portafolios, faceta que considera esencial en el conocimiento de sus fotografías. El paisaje y la figura humana, y muy especialmente las zonas desérticas y los objetos hallados en su soledad, ocupan la mayor parte de su trabajo, marcado por otra parte por una constante investigación fotográfica y una permanente crítica e intento de subversión de los cauces habituales en la presentación y canalización de la obra fotográfica. Sobre estos trabajos en el desierto ha publicado una serie de libros; “Los Cantos del Desierto”. Una parte importante de esta serie la forman las páginas de revistas Playboy  utilizadas para el tiro con rifle, con las que realiza varias series en diferentes formatos. Entre los premios que ha recibido en Estados Unidos destacan el Nacional de las Artes, el Premio Guggenheim; ha expuesto entre otros en el Centro Georges Pompidou de París, en el MOMA de Nueva York, en el Museo Nacional de Antropología de México D.F., en el Art Walker Center de Minneapolis, en el Museum of Modern Art de San Fancisco, etc. En España su trabajo se expuso en Granada, en el Palacio de los Condes de Gabia y en Madrid en el Canal de Isabel II en 1999.

Moffatt, Tracey. Brisbane (Australia), 1960. Actualmente vive y trabaja entre Nueva York y Sidney. Su trabajo, de un fuerte carácter narrativo, se divide entre la fotografía y el cine, ya sea en vídeo, experimental, musical o dramas en el más puro sentido del término. La atmósfera de violencia y extrañeza que percibimos en ellos se relacionan con la vida en condiciones extremas y con la dureza e injusticia de muchas relaciones personales. Ha expuesto recientemente en la Kunsthalle de Viena, Australian Center for Photography de Sidney, en la Deichtorhalle de Hamburgo, en el Centre National de la Photographie de París. En España su obra se ha podido ver en la exposición que en 1999 organizó la Fundación “la Caixa” en colaboración con el Centro Galego de Arte Contemporáneo. Su obra está en filmotecas y bibliotecas en Estados Unidos y Australia, y su obra fotográfica en los fondos, entre otros, de las colecciones del Folkwang Museum de Essen, el MOCA de los Angeles, Museum of Contemporary Photography de Japón, y, por supuesto, en los principales museos y colecciones privadas de Australia.

Moleres, Fernando. Bilbao (España), 1963. Enfermero de formación, ha combinado el desarrollo de este trabajo hasta 1994, con numerosos viajes y una dedicación progresiva a la fotografía. Su serie Niños trabajadores, iniciada en 1990 en las plantaciones de caña de azúcar de Sudáfrica, fue premiada en Fotopress y le permitió dedicarse a documentar el éxodo de los refugiados en el Kurdistán en 1991. En una línea que enlaza con la obra de Lewis Hine y de Sebastiao Salgado, Moleres aborda aspectos de la tragedia humana centrándose particularmente en la explotación infantil en nuevas series realizadas en más de 30 países, donde niños y adolescentes se ven envueltos en guerras, prostitución, trabajos forzados y otros infortunios. El proyecto Niños trabajadores ha recibido premios y becas en España, Estados Unidos, Suecia y Holanda, y ha sido publicado en revistas y periódicos de todo el mundo, además de numerosas exposiciones y la edición monográfica de un libro en cinco idomas.

Morimura, Yasumasa. Osaka (Japón), 1951. Estudia en la Kyoto University of Art, entre 1971 y 1978. Realiza su primera exposición individual en la Gallery Haku, Osaka, en 1986, y desde entonces ha participado en muestras colectivas e individuales en todo el mundo, en España se pudo ver su obra en 2000 en la Fundación Arte y Tecnología de Telefónica, Madrid, y en la Bienal de Valencia en 2001, habiendo participado en el Aperto de la Bienal de Venecia de 1988 y en la muestra Metropolis, en Berlín, en 1991. Sus fotografias, de grandes formatos y en color, se centran en una subjetiva reinterpretación de las obras maestras de la historia del arte y la cultura occidental, desde pintores impresionistas como Manet y Degas, a clásicos como Goya y Velázquez, pasando por Van Gogh, Duchamp o Frida Khalo, entre otros muchos, además de actrices de cine com Marilyn Monroe, Marlene Dietrich o personajes como Elvis Presley. Las figuras son siempre su propio retrato, siendo uno de los pioneros de esta utilización digital del autorretrato como estrategia crítica en la fotografía actual.

Mundet, Llùcia. Barcelona (España), 1967. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, en 1991, realiza estudios de cine en la Hochschüle für Bildende Künste Braunschweig, en Alemania. Ha recibido, asimismo, varios premios y becas (Landes Neidersachsen, 1999; Premio Lux, 2001). Ha participado en muestras colectivas, tanto de fotografía como de vídeo, y ha expuesto individualmente en la Kunstverein de Gifhorn. El Proyecto Mundets 01, al que pertenece la fotografía que publicamos, trata sobre una serie de personas que actualmente llevan el apellido Mundet, que son fotografiados con técnicas escenográficas y todo tipo de recursos típicamente publicitarios.

Muniz, Vik.  São Paulo (Brasil), 1961. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Desde finales de los años 80 la obra de Muniz está presente en museos y galerías de todo el mundo, en muestras individuales y colectivas entre las que cabe destacar las realizadas en el Metropolitan Museum de Nueva York, Centre National de la Photographie, París, Museo de Arte Moderna de Río de Janeiro o el Center for Creative Photography de Tucson. Su trabajo gira en torno a los iconos cotidianos más habituales de la sociedad contemporánea, a partir de una mirada personal realizada desde las características culturas de Brasil. Especial importancia han tenido sus series “Los niños de azúcar” y sus fotografías de dibujos con chocolate y otras sustancias, revisando iconografías del mundo de la cultura y del arte.

Navarro, Rafael. Zaragoza (España), 1940. Realiza en 1973 su primera exposición individual y desde entonces sigue exponiendo e impartiendo talleres sobre fotografía por todo el mundo, contándose sus exposiciones por cientos, y con varias publicaciones sobre su obra editadas en Suiza e Italia. Su trabajo siempre se ha desarrollado en series, destacando la importancia del cuerpo y del desnudo en numerosas series a lo largo de su trayectoria artística. Ha sido uno de los fotógrafos que han tratado con más profundidad el tema de la abstracción en la fotografía española y, asimismo, es uno de los pioneros del concepto de la fotografía como obra de arte autónoma en España. Tiene obra en colecciones privadas y públicas a lo largo de todo el mundo.

Okón, Yoshua. México D.F. (México), 1970. Estudios de artes plásticas en la Universidad de Concordia, Montreal y master en Artes Visuales en UCLA, Los Angeles, California. Ha obtenido diversas ayudas como la Beca Fullbright en el año 2000-2002, “Jóvenes Creadores” del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en México y la Rockefeller Foundation en 1998. Fundador y director de “La Panadería”, espacio coordinado por artistas para el debate y la exposición de arte actual. Ha mostrado su obra, siempre crítica sobre lo socialmente establecido y las reglas de conducta, en Francia, Estados Unidos y México principalmente.

Olaf, Erwin. Hilversum (Holanda), 1959. Estudia periodismo en la Universidad de Utrecht, en 1977, y entre 1980 y 82 se traslada a Amsterdam donde trabaja como asistente de Andre Ruigrok, que le inicia en el mundo de la fotografía. A partir de entonces, su primera exposición colectiva sería en 1983 en la Universidad de Amsterdam, su trabajo se desarrollará entre la fotografía creativa y la comercial, realizando numerosas campañas publicitarias y editando portadas de revistas de diseño y de tendencias, como Vinyl. En 1985, edita su primera publicación, Faces in a City, reuniendo retratos periodísticos y creativos. Su serie Chessmen fue galardonada con el Young European Photographer en 1987 y expuesta en el Ludwig Museum de Colonia. Sus últimas y más conocidas series son Mature, Fashion Victims, Real Blood y Paradise, y han sido expuestas en Bienal de Valencia y Paris Photo 2001; Flatland Gallery, Utrecht; Lawrence Miller Gallery, Nueva York; y Espacio Mínimo, Madrid, entre otros.

Opie, Catherine. Ohio (Estados Unidos), 1961. Afincada en Los Angeles, esta fotógrafa se dio a conocer para el público neoyorquino después de su inclusión en la Bienal del Whitney de 1995. Sus fotografías de miembros de la comunidad fetichista de Los Angeles, con sus tatuajes, perforaciones, piercings, etc., fueron celebrados por el público por su fuerza, su dignidad y su silenciosa belleza. Sus últimos trabajos continúan su compromiso con las ideas de comunidad y autobiografía. Sus exposiciones más destacadas han sido las realizadas en la Vancouver Art Gallery, Canadá; Castello di Rivoli, Turín; Museo de Louisiana; Humlebaek, Dinamarca; Haus der Kunst, Munich; Konstmuseet, Malmö, Suecia, o el Kunstmuseum de Bonn. En España ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y en la Galería Soledad Lorenzo de Madrid.

Pierre et Gilles. Desde 1976 trabajan como equipo artístico presentando su obra fotográfica en diversas exhibiciones colectivas dentro y fuera de Francia donde en 1993 obtuvieron el Grand Prix de Photographie de la Ville de Paris. Su obra surge de la imagen de la publicidad, a la que están muy cercanos, centrándose en el universo de la estética homosexual; siempre en color, a veces retocando los originales con pintura, y con obras muy escenificadas, han realizado diferentes series sobre readaptaciones de motivos religiosos, pictóricos y literarios clásicos, siempre actualizados con el brillo del color y el culto al cuerpo y la juventud que ha caracterizado su obra.  En España participaron recientemente en las exposiciones Cocido y crudo (MNCARS, Madrid 1994/95) y Le Visage voilé-Travestissement et identité (Koldo Mitxelena Kulturenea, Donostia 1997) además de una importante exposición individual en el Museo de Bellas Artes de Valencia (1997). Este año se presentan en el New Museum of Contemporary Art en Nueva York.

Pinal, Andrés. Vigo (España), 1969. Formado en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, en la que ejerce la docencia actualmente. Sus inicios artísticos transitan por la escultura, para decantarse finalmente por la fotografía y el campo audiovisual. El cuerpo, como escenario cálido de propuestas metafóricas y alegóricas, es una recurrencia habitual en sus imágenes en blanco y negro, caracterizadas por una atmósfera enigmática, de herencias surrealistas y ensoñaciones simbólicas. Entre sus exposiciones cabe citar las realizadas en Galería Bacelos, Vigo, y su participación en colectivas en Auditorio de Galicia y Centro Galego Arte Contemporánea, CGAC, ambas en Santiago de Compostela; Casa das Artes, Vigo; Salas de la Comunidad, Madrid; Galería Marisa Marimón, Ourense, además de su presencia en ARCO 2000.

Prince, Richard. Panama Canal Zone, 1949. Vive y trabaja en Nueva York. Formado en el mundo de la publicidad, gran parte de su trabajo fotográfico se basa en la apropiación de imágenes ya realizadas, procedentes de anuncios en revistas, TV, o directamente de escenas de cine y televisión. Trabaja especialmente con imágenes de deseo y clichés de la sociedad de consumo, lo que le hace estar entre el apropiacionismo y el neopop. Entre sus exposiciones más destacadas hay que citar las realizadas en el Haus der Kunst, Munich; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam; San Francisco Museum of Modern Art; Whitney Museum, Nueva York y la Kunsthalle de Dusseldorf.

Prinz, Bernhard. Fürth, Bayern (Alemania), 1953. Vive y trabaja en Hamburgo. A través de la fotografía va repasando la puesta en escena de los temas tradicionales de la pintura, con composiciones cargadas de simbolismo y de una presentación grandiosa y muy efectista. Siempre en color, sus bodegones o sus paisajes de cielos, igual que los retratos de mujeres, siempre significan algo más de lo que se ve. Los títulos, nombres de diosas, de elementos arquitectónicos, de conceptos filosóficos, dan claves para el acercamiento a cada tema. Ha expuesto en múltiples muestras individuales y colectivas, entre las que se pueden destacar las realizadas en la Serpentine Gallery, Londres, la Nationalgalerie de Berlín, la Kunsteverein de Hamburgo, la Documenta VIII de Kassel, el Walker Art Center de Minneapolis, el Centro Atlántico de Canarias, etc.

Rennó, Rosãngela. Belo Horizonte (Brasil), 1962. Vive y trabaja en Río de Janeiro. Fotógrafa, aunque, en ocasiones, su obra también se ha presentado en forma de instalaciones. Su trabajo dedica una especial atención a las superficies. En torno al tema del tatuaje, realizó una serie que estuvo presente en diversas exposiciones durante los últimos años, en la que se recogían tatuajes de técnicas muy rudimentarias realizados en cárceles. Las pasiones, los sentimientos y la forma de exteriorizarlos a través de las superficies, principalmente sobre el propio cuerpo, caracterizan su poética. Entre sus exposiciones más importantes destacan las realizadas en el Australian Centre for Photography, Sydney; II Bienal de Johannesburgo, Surafrica; InSite, SanDiego/Tijuana; II Kwangju Biennale, Japón; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; De Appel Foundation, Amsterdam; Centro Cultural São Paulo, Brasil; Instituto Brasileiro de Arte e Cultura, Río de Janeiro; MNCA Reina Sofía, Madrid; XXV Bienal de Sao Paulo; Aperto XLV Biennale di Venezia, 1993. Su obra se encuentra en las colecciones como las del Museum of Contemporary Art, Los Angeles; MNCA Arte Reina Sofía, Madrid; Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil; Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro y Museo Alejandro Otero, Caracas. Está representada por la Galería Camargo Vilaça, de São Paulo, Brasil.

Riefenstahl, Leni. Berlín (Alemania), 1902. Bailarina, actriz, cineasta y fotógrafa. Su profesión inicial de bailarina, le abre las puertas del cine protagonizando La montaña sagrada (1926) del director Arnold Franck, creador del género “cine de montaña”, con quien continúa trabajando en sus películas posteriores. En 1932, produce, escribe y dirige Luz azul (Das blaue licht). Muy cercana al poder que acababa de establecerse en Alemania, realiza un cortometraje propagandístico, Sieg des Glaubens (1933), seguido de Triunfo de la voluntad (Tnumph des villens, 1935), largometraje dedicado a las reuniones nazis en Nuremberg. En 1936, dirige un filme sobre los Juegos Olímpicos de Berlín, Los dioses del estadio. Entre 1940 y 1954, tras algunos años de prohibición del ejercicio de su actividad profesional en Alemania, concluyó el rodaje de Tiefland. Muchos de sus proyectos no llegaron a realizarse, como sus documentales submarinos o sobre el pueblo nuba del alto Sudán, a los que dedicó varios álbumes fotográficos. Además de sus libros de memorias o recopilaciones fotográficas, su obra y personalidad quedan recogidas en el libro Five Lives de la editorial Taschen.

Rio Branco, Miguel. Las Palmas de Gran Canaria (España), 1946. Vive y trabaja en Río de Janeiro. Artista de múltiples registros –ha sido pintor, ha realizado fotografía de prensa, realiza instalaciones, etc.-, expone habitualmente en galerías privadas y museos y centros de arte de Europa, Estados Unidos y Brasil. Su obra se caracteriza por el tratamiento de la superficie de las imágenes y por la utilización de colores fuertes y profundos. Toda la mirada del observador sobre el mundo que le rodea, sobre los instantes más profundos de la vida y de la miseria, sobre el paisaje de una civilización que se sitúa en los márgenes de la naturaleza y de la cultura, se plantea en una obra que adquiere toda su importancia tanto en la fotografía como en la edición de sus libros y películas. Tiene obra en el Centro Pompidou, de París; Metropolitan Museum de Nueva York; Stedelijk Museum, Amsterdam; MEIAC, Badajoz; Museo de Fotografía de Curitiba, Brasil; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, entre otros. Su obra ha sido expuesta en Fundació la Caixa, Barcelona, Centro Cultural de la Villa, Madrid, y Museo Peggy Guggenheim, Venecia, 2001, entre otros. Está representado en España por la galería Oliva Arauna, de Madrid, y en Brasil por la galería Camargo Vilaça, de São Paulo.

Rist, Pipilotti. Reinthal (Suiza), 1962. Realiza estudios de arte, ilustración, y fotografía en la Academia de Viena. Sus primeros trabajos artísticos se desarrollan en el campo de la informática, el diseño y el arte digital, para derivar en la actualidad hacia la edición de vídeo y el montaje de videoinstalaciones. En los últimos años ha expuesto en la Fondazione Prada de Milán, Musée des Beaux-Arts de Montreal, Ludwig Museum de Colonia, Site Santa Fe, Nationalgalerie Hamburger Bahnhof Berlín. Ha recibido diversos premios a sus vídeos, como el Feminale, de Colonia en 1988, el Viper de Lucerna en 1989 y el premio 2000 de la Bienal de Venecia en 1997.

Sabando, Teo. (1954). Artista conceptual, que trabaja especialmente la performance y la instalación. La fotografía forma, en ocasiones, parte de sus instalaciones y sirve para , de alguna manera, hacer permanente las acciones e intervenciones efímeras que habitualmente realiza. En sus trabajos mezcla lo simbólico, lo imaginario y lo conceptual, y la presencia del cuerpo –del propio artista- y de la escritura son aspectos casi siempre presentes. Ha expuesto en el palacio Provincial de Zaragoza, en el Museo de San Telmo de San Sebastián, en la Sala Rekalde de Bilbao, y en las galerias Altxerri de San Sebastián, Vanguardia de Bilbao, y Artefacto de Bruselas. Ha realizado varios libros originales y su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas de instituciones españolas.

Sánchez, Ricardo B. Caracas (Venezuela), 1953. Establecido en Madrid desde comienzos de los años 80, Ricardo B. Sánchez ha participado en varias ediciones de ARCO, y ha realizado  muestras individuales en su país natal, en Estados Unidos, Alemania y diversas ciudades de España. En su trabajo, siempre fotográfico, destaca la investigación sobre el mundo de la realidad que existe detrás de las apariencias formales. Ha trabajado en diferentes series sobre conceptos aparentemente diferentes pero con elementos en común como “Identidades”, “Pases”, “La luz”,  y series sobre flores, jardines, retratos y paisajes neoyorquinos. En 2001 ha publicado el libro Seducción, engaño, ilusión y verdad, en las editoriales Polígrafa, de Barcelona, y Rizzoli, de Nueva York.

Sanguinetti, Alessandra. Buenos Aires (Argentina), 1968. Desde 1993 ha obtenido las becas del Fondo Nacional de las Artes y de la Fundación Guggenheim, así como el Premio Leonardo. Ha expuesto individual y colectivamente en diversas ciudades de Argentina, Suecia y Estados Unidos. Su trabajo se centra en las relaciones entre las personas y entre estas relaciones imaginarias y la realidad de una vida tan dura como la del campo argentino. Los animales en la serie El sexto día y en la vida, sueños y confrontación con la realidad de dos niñas en  Las aventuras de Guille y Beli. Su trabajo está en las colecciones del MOMA, Nueva York, y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Santamaría, Montserrat. Tarrasa, Barcelona (España). Vive y trabaja en Madrid. En 1975 entra a formar parte del departamento de fotografía de Cambio 16 hasta 1993. En 1985 participa en la exposición itinerante de World Fotopress. En 1988 se le otorga el premio especial en el concurso Children in Focus. Posteriormente participa en el homenaje a Alberto Greco en el IVAM. Entre sus exposiciones se cuentan Fotoperiodismo en libertad, Madrid y Portugal; Luz y tiempo de mujeres, Madrid, y Mujeres, en la Fundación Arte y Tecnología, Madrid.

Santé, Luc. Autor y recopilador del libro “Evidence” (Farrar, Strausvand Giroux, New York, 1992), en el que se reúnen, datan y explican, con una literatura a veces poética y siempre de una exactitud forense, imágenes de crímenes cometidos en Nueva York entre 1914 y 1918. Este libro es un documento gráfico y sociológico de primera categoría, pues nos da una idea de cómo era una ciudad y sus habitantes en ese momento y nos sitúa en la estética de la realidad que el cine negro generalizó con posterioridad.

Sarfati, Lise. Argel (Argelia) 1958. De nacionalidad francesa vive y trabaja actualmente en París. Después de graduarse en estudios de lengua y cultura rusa enseña en escuelas privadas hasta que en 1986 se dedica a la fotografía profesionalmente, empezando a trabajar para la Escuela de Bellas Artes y diversos medios de prensa franceses; entre 1990 hasta 1995 trabaja con diversas agencias de prensa, formando parte en la ctualidad del la Agencia Magnum. A partir de la caída del Muro de Berlín pasa la mayor parte de su tiempo en Rusia, consiguiendo los premios Fiacre en 1995 y el Villa Médicis en 1996 por su proyecto Memory and Flight sobre la sociedad rusa. Ha publicado su trabajo en el New York Times Magazine y el Frankfurter Allgemaine Zeitung. Ha sido ganadora de los premios Visa d’Or Kodak  en 1986, el I.C.P. y el Infinity Award of Photojournalim del I.C.P de Nueva York, ambos en 1996.

Saudek, Jan. Praga (República Checa), 1933. Con una estética muy característica, la obra de Saudek ha traspasado todas las fronteras haciendo de su repertorio fotográfico uno de los imaginarios más reconocibles de la fotografía actual. Sus primeros trabajos en blanco y negro, sus imágenes familiares, desnudos, alegorías, retratos o escenas de adolescentes, prostitutas, mujeres gordas, autorretratos, su concepción del erotismo y del sexo, su exuberancia anatómica, su poética perversa, sus escenarios entre decadentes y ruinosos, así como el tratamiento onírico y excitado del color, caracterizan un trabajo personal que ha servido de inspiración en multitud de portadas de libros, carteles y reclamos publicitarios. Su obra se encuentra recogida en numerosas ediciones de libros y catálogos, y ha sido expuesta prácticamente en todo el mundo.

Saura, Carlos. Huesca (España), 1932. Vive y trabaja en Madrid. Cinéfilo desde muy temprana edad, abandona sus estudios de ingeniería industrial y periodismo para dedicarse a la fotografía e ingresar en el Instituto de Investigaciones y Estudios Cinematográficos, donde se apasiona por la técnica y la teoría del cine. En el citado instituto impartirá clases hasta 1963, en que es apartado por razones políticas. Paralelamente a la fotografía, se desarrolla su producción cinematográfica, iniciada con el cortometraje La tarde del domingo (1957). En 1958, rueda Cuenca, un mediometraje que, como su ensayo precedente y su primer largometraje, Los Golfos (1959), intenta sentar las bases de un neorrealismo a la española. Entre sus películas más importantes destacan La caza (1965); Peppermint Frappé (1967); Stress es tres, tres (1968); La Madriguera (1969); El jardín de las delicias (1970); Ana y los lobos (1972); La prima Angélica (1973); Cría Cuervos (1975), títulos inscritos en el contexto de los estertores del franquismo y la transición hacia la democracia. De su etapa posterior cabe citar filmes como Mama cumple 100 años (1979); El Dorado (1987); La noche oscura (1989); ¡Ay Carmela! (1990), así como las relacionadas con el flamenco y el baile y la música española, Bodas de Sangre (1981), Carmen (1983), El amor brujo (1986) o Sevillanas (1995). Su amplio trabajo fotográfico se inició en 1947, con la intención de registrar los pueblos y gentes de España, un proyecto inconcluso a causa del cine. Sin embargo, su dedicación ha sido constante y su temática se ha ampliado con imágenes en diversos formatos fotográficos que continúa realizando actualmente. Su obra ha sido expuesta en Círculo del Arte, Barcelona y Madrid, Instituto Cervantes de Munich y Roma, Galerie Manuspresse, Suttgart, y en KunstKöln 2000.

Seawright, Paul. Belfast (Irlanda), 1965. Cursa estudios en la Universidad del Ulster y posteriormente en la Escuela de Arte y Diseño de West Surrey, donde comienza su trabajo con la fotografía. Actualmente es jefe del Centre for Photographic Research of the University of Wales College, en Newport. Su obra está profundamente ligada a la situación social que se vive en Irlanda, donde la violencia ha estado presente durante años en la vida cotidiana de todos sus habitantes. La forma que tiene Seawright de expresar esta violencia y el miedo, el peligro que flota en el aire, es siempre periférica, sin mostrarla explícitamente, rodeando el tema, por lo que sus fotos más explicativas o simbólicas son sugerencias, narraciones más literarias que formales. La muerte, la desaparición, la policía, la represión, son todos temas de sus series más famosas. Ha expuesto, entre otros lugares, en el International Center of Photography de Nueva York, en el Irish Museum of Modern Art, y, en España, en el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca, en el año 2000.

Serrano, Andrés. Nueva York (Estados Unidos), 1950. Después de sus estudios en la Escuela de Arte Moderno de Brooklyn, con una formación básica en bellas artes, Serrano inicia una trayectoria fotográfica que le llevará en pocos años a ser uno de los artistas más cotizados de su generación. Su serie “Fluids” y sus imágenes de figuras religiosas sumergidas en orina (“Piss Christ”) provocan un escándalo en la Bienal del Whitney  de 1987. A raíz de esto su nombre se convierte en bandera ante la censura del arte a manos de los políticos. En sus diferentes series, Serrano, de origen latino y formado en la contradicción de la santería y el catolicismo, aborda temas universales como la muerte (“Morgue”) o el sexo, el miedo y el poder ( “A history of sex”, “Klansmen”) o la religión, pero siempre desde una perspectiva radical y provocadora, lo que ha situado su obra en el punto de mira de la censura en muchas ocasiones. Por otra parte, su trabajo reúne aspectos muy clásicos tanto en su composición como en el género, casi siempre retratos. Ha expuesto prácticamente en todo el mundo, destacando las muestras del New Museum de Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, Seibu Museum de Tokio, Smithsonian Institute de Washington, Documenta 8 de Kassel, o la del MEIAC, de Badajoz, en 1996.

Sherman, Cindy. Nueva York (Estados Unidos), 1954. Estudió en el Colegio Universitario de Buffalo hasta 1979, época durante la que comenzó la serie de fotografías en blanco y negro tituladas Untitled Film Stills, recientemente adquirida en su totalidad por el MOMA de Nueva York . En ese mismo año hizo su primera exposición que le sirvió de presentación en el mundo del arte, a partir de entonces su presencia en exposiciones colectivas en todo el mundo es incontable. Cindy Sherman es el artista que a través de la fotografía representa simbólicamente la década del ochenta con una obra basada en la representación y el retrato. Presente en todas sus fotografías como único y transformado personaje, Sherman ha pasado a la fotografía escenificada, paisajes de basuras y desechos cotidianos y escenas de sexo con muñecos, prótesis y todo tipo de disfraces y transformaciones. Ha realizado una película comercial (The Office Killer) y participado en numerosos proyectos de cine y video de creación. Su obra se encuentra en las más importantes colecciones publicas de todo el mundo, y hay que señalar que es el artista fotógrafo contemporáneo, vivo, que más alta cotización ha alcanzado nunca en una subasta de arte.

Sidibé, Malick. Mali, 1936. Nacido en una pequeña aldea, estudió orfebrería en la Ecole des Artisans Soudanais, en Bamako. En 1956 se inicia en las técnicas fotográficas como aprendiz de una tienda de servicios fotográficos, hasta que en 1962 abre su propio estudio, "Malick Studio" en Bamako. Paulatinamente comienza a abandonar el laboratorio para realizar reportajes y cubrir numerosas fiestas y eventos sociales celebrados por jóvenes, estamos en la época del twist y del cha-cha-cha. Además del valor específico de estas imágenes, sus fotografías de bailes y fiestas juveniles muestran el espíritu festivo popular característico de cualquier grupo social. En 1994 sus fotografías de fiestas consiguen el reconocimiento mundial en los Premières Recontres de la Photographie Aficaine en Bamako. Actualmente es uno de los fotógrafos africanos más reconocidos, habiendo expuesto su obra en la Fondation Cartier pour l'art contemporain, París, 1995; el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 1996; Fundació la Caixa, Barcelona 1998; Stadtmuseum Muinch, 1998; MCA Chicago y Art Cologne, 1999; Kulturen der Welt, Berlín, 2000, entre otros.

Sierra, Santiago. Madrid (España), 1966. Reside en México D.F. Después de licenciarse en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, y de cursar estudios en la Hochschule für Bildende Künste, de Hamburgo, viaja a México en 1995 con una beca de investigación en la Escuela de San Carlos, UNAM, en México D.F. Sus obras, acciones y performances en su mayoría, se pueden encuadrar dentro del arte conceptual y en las problemáticas socioeconómicas y los sistemas salariales. El uso que hace de la fotografía está condicionado por su carácter de documento, de registro de dichas acciones. Ha expuesto en el MNCA Reina Sofía, Madrid; P.S.1, Nueva York; Museo Rufino Tamayo, México D.F.; Museo Carrillo Gil, México D.F.; y en salas privadas de diversos países, entre ellas la galería Enrique Guerrero, México D.F.; galería Ángel Romero, Madrid; Ace Gallery, New York; Lisson Gallery, Londres.

Smith, Jack. Columbus, Ohio (Estados Unidos), 1932 – New Yok, 1989. Estudia danza y teatro, escribe y realiza numerosas puestas en escena, entre las que cabe mencionar Rehearsal for The Destruction of Atlantis (1965). Personalidad influyente de la vanguardia neoyorquina, alcanzó la fama gracias a  Flaming Creatures (1963), polémica película sobre el comportamiento y las fantasías sexuales de los miembros del medio artístico próximo al autor que, tras el arresto en 1964 de Jonás Mekas por presentarla en público, marca una larga e importante etapa en la lucha contra la censura americana. Desde su llegada a Nueva York, realiza sus primeros ensayos dramáticos con Buzzards Over Bagdag (1951-1956), que,  como la mayoría de sus filmes (Scotch Tape, 1961; Normal Love, 1963; In The Grip of The Lobster, 1966; No President, 1968; Taboo of Farblonjet, 1969), no está terminada. Asimismo, actúa bajo la dirección de los principales cineastas underground de su época, como Andy Warhol (Batman, Drácula, 1964), Ken Jacobs, Ron Rice y Gregory Markopoulos. Su vida y obra fue objeto de una exposición retrospectiva en el P.S. 1 Contemporary Art Center, New York, en 1997-98.

Smith, Paul M. Bradford on Avon (Gran Bretaña), 1969. Estudió en la Coventry University y en el Royal College of Art hasta 1997. A través de sus series más conocidas, Artists Rifles, Action, Robbie Williams y Make my Night, explora con humor las dudosas fronteras entre la realidad y la ficción en la fotografía. Su conjunto de (auto)retratos de soldados o de juerguistas, muestran al artista como único protagonista, multiplicado gracias a la tecnología digital, pero actuando en todos los diferentes papeles posibles en una multitud. En 1996 fue galardonado con el John Klobal Portrait Award, y sus trabajos figuran en las colecciones del Denver Museum, Royal Armouries Museum de Leeds y The Saatchi Gallery, Londres. Entre sus exposiciones individuales destacan Neurotic Realism, Saatchi Gallery, Londres, 1999, Complicity, Australian Centre for Photography, Sydney, 2000, Make my night, Scott Nichols, San Francisco, 2000. En 2002 expondrá una nueva serie sobre sexo en la Galería Espacio Mínimo, Madrid.

Sone, Yutaka. Shizuoka (Japón), 1965. Actualmente vive y trabaja en Tokyo. Realizó estudios de bellas artes en la Tokyo Geijutsu University hasta 1988, y arquitectura, en la misma universidad, hasta 1992. Sus performances y videoinstalaciones tratan siempre del enfrentamiento dialéctico entre lo público y lo privado, el individuo y la ciudad, lo excepcional y lo cotidiano, utilizando la ficción de los medios visuales y la escenificación que se aproxima a lo aparentemente real. Ha participado con su serie Birthday Party en el Sculpture Projects de Münster de 1997, en el P.S.1 Contemporary Art Center de Long Island City, Nueva York, en la muestra Loop; entre sus exposiciones individuales destaca la realizada en el MOCA de Los Angeles, en el Hiroshima City Contemporary Art Museum y en centros y galerías privadas de Japón.

Sougez, Emmanuel. Burdeos (Francia), 1889 – París, 1972. Estudió Bellas Artes en Burdeos pero en 1911 decidió dedicarse a la  fotografía. Afincado en París al finalizar la I Guerra, se dedicó primero  al retrato y a la información cultural. En 1926, fundó el Servicio fotográfico de L’Illustration. Empezó a destacar por sus composiciones publicitarias y bodegones a finales de los años veinte. Publicó en Vu, D’Ací i d’Allà, Jazz, Gebrauchsgraphik , Querschnitt entre otras y realizó la selección  de fotografías para el suplemento  anual  Photo-Graphie publicado por Arts et Métiers Graphiques (1930-39). Encabezó la corriente francesa llamada Fotografía pura, afín a la Nueva Objetividad alemana y al grupo californiano f/64.  En  1936, fundó el grupo  Le Rectangle que se reagruparía tras las II Guerra mundial como Les XV entre cuyos miembros destacó el joven Doisneau.  Además de ilustrar numerosos libros de arte, su obra destaca por sus bodegones (formato 30x40) y desnudos. Entre sus exposiciones individuales se cuentan: La Pléiade, París 1935, Le Chasseur d’Images, París 1937, Frankfurter Kunsverein, Francfort 1982, Palais de Tokyo, París 1993, Canal de Isabel II, Madrid 1995,  Château d’Eau, Toulouse, 1997, Museo de Bellas Artes, A Coruña 2000.

Starkey, Hannah. Belfast (Irlanda), 1971. La fotógrafa, que actualmente vive y trabaja en Londres, ha presentado su trabajo en exposiciones colectivas e individuales dentro del Reino Unido y en otros países europeos. Centrada en la escenificación de lo cotidiano, sus imágenes tienen mucho de cinematográfico, e incluso tal vez más de literario, en un conjunto en el que el misterio y la melancolía se reparten la superficie de la fotografía. Su trabajo ha sido reseñado en publicaciones como Flash Art, Artforum, Art Monthly o Segno. Entre otros premios, en 1999 obtuvo el Premio de Excelencia de la 3ª Bienal Internacional de Fotografía de Tokio. Este año le ha sido comisionada una pieza para la Tate Modern Gallery de Londres.

Sterbak, Jana. Praga (República Checa), 1955. Vive y trabaja en Montreal y en París. Sterbak  emigró con su familia a Canadá en 1968. Ahí, a la edad de 13 años se encontró con una nueva cultura, una nueva lengua, otra religión y otro sistema político. El trabajo de Sterbak, polisémico y ambiguo, recuerda esa experiencia de la infancia. Están informados por una apreciación del absurdo y del humor negro enraizada en sus recuerdos de Praga, en mitos medievales, cuentos populares y en la escritura de Franz Kafka, Karel Capek y Hasek. Jana Sterbak utiliza materiales de muy diferente tipo según las necesidades de su trabajo, realiza esculturas, instalaciones o fotografias indistintamente. Durante los últimos cinco años, el trabajo de Sterbak ha sido incluido en exhibiciones individuales en el Musée d'art Moderne de Saint-Etienne; la Fundacio Antoni Tapies, Barcelona; la Serpentine Gallery, London; el Museum of Modern Art, Humlenbaek, Dinamarca; y el Museum of Modern Art, New York. Una importante muestra retrospectiva itinerante de su obra se está preparando en el Museum of Contemporary Art, Chicago.

Stewart, Christopher. Londres (Gran Bretaña), 1966. Formado en el Royal College of Art de Londres, su trabajo se encuadra dentro de las nuevas corrientes de fotógrafos británicos que se están instalando en el panorama internacional con unas fotografías de un fuerte carácter teatral, que representan y simbolizan escenas que pretenden ser reales. La sombra del documento sobrevuela estas fotografías fuertemente marcadas por la idea de realidad. En concreto, el trabajo de Stewart está muy vinculado a las situaciones de poder, violencia y presión física y psíquica. En su memoria personal pesan las vivencias de una infancia en un barrio popular y de la relación con el trabajo de su padre, que era policía. Su serie más conocida es “Insecurity” (“Inseguridad”) que trata del adiestramiento de los cuerpos de seguridad y de escenas de violencia soterrada, nunca mostrada en sus momentos decisivos, sino de una forma elíptica. Su obra se ha mostrado en el Palacio de Abrantes en Salamanca, dentro de Imago 2000, y en diferentes galerías e instituciones británicas y ferias de arte internacionales.

Streuli, Beat. Altdorf (Suiza), 1957. Sus imágenes de jóvenes de todas las nacionalidades, en sus vidas y actitudes cotidianas, han dado la vuelta al mundo. Los grandes formatos y  proyecciones de los retratos de adolescentes de ciudades como Tel Aviv, Barcelona, Bristol, etc., tanto individuales como en grupo, se han convertido en iconos característicos de la imagen de la juventud actual. Una de las intenciones de su trabajo es buscar la identidad individual entre la multitud urbana, y el carácter de instantánea de sus imágenes. Entre sus abundantes exposiciones hay que destacar las realizadas en Museum of Contemporary Art de Chicago, Stedelijk Museum de Amsterdam, MACBA de Barcelona, Kunsteverain de Frankfurt, Portikus de Frankfurt, y Deichtorhalle de Hamburgo, entre otras muchas realizadas en espacios públicos y galerías privadas.

Sugimoto, Hiroshi. Tokio (Japón), 1948. Después de estudiar Sociología y Ciencias Políticas en la Universidad de Tokio, y fotografía y bellas artes en el Art Center College de Design, en Los Angeles, California, se traslada en 1974 a Nueva York, donde actualmente vive y trabaja. Todo su trabajo fotográfico, siempre en blanco y negro y en amplias series que se desarrollan superponiéndose a lo largo de varios años, gira en torno al paso del tiempo, restaurando un tiempo y un lugar que fue otro, que ya sucedió y del que sus  imágenes representan la memoria, un retrato de una historia. Así sucede con sus “Dioramas”, en los que fotografía escenas de animales salvajes  reconstruidas en museos de historia natural, o en los museos de cera (“Wax Museums”). El devenir del tiempo, inmóvil en una sola imagen, como en sus paisajes marinos (“Seascapes”) o sus salas de cine (“Theater”, “Drive-ins”), es planteado como un diálogo silencioso entre lo que permanece inmutable y lo que evoluciona. Ha expuesto en numerosos museos y galerías, destacando en los últimos años las muestras del Metropolitan Museum de Nueva York, la Kunsthalle de Basilea, el Moderna Museet de Estocolmo, la XXV Bienal de Sao Paulo, el Museum of Contemporary Art de Tokio, el MOCA de los Angeles, y el Guggenheim Museum de Nueva York. En España su obra se pudo ver ampliamente en 1998 en las salas de la Fundación “la Caixa”.

Taylor-Wood, Sam. Londres (Inglaterra), 1967. La artista centró sus primeros trabajos en la escultura; más tarde su obra se fue desarrollando en soportes como el vídeo y la imagen fotográfica, presentada en grandes formatos en los que combina un motivo principal y escenas en panorámica, donde lo narrativo juega un papel fundamental. La infelicidad, la soledad, la euforia o la violencia en las emociones y la sexualidad son algunos de los temas recurrentes en sus obras. En 1997 recibió el premio a la artista joven de la Bienal de Venecia. Sus obras se exhiben en algunos de los museos más importantes del mundo. Sus últimas muestras individuales, en la Matthew Marks Gallery, de Nueva York (2000), o la más reciente del Espacio Uno del Museo Reina Sofía, Madrid (2000), la confirman como una de las artistas jóvenes más importantes de la actualidad.

Thurston Thompson, Charles. (1816-1868). Fotógrafo británico. Realizó imágenes a base de colotipo y de colodión, tratando fundamentalmente de arquitectura, arte y retrato. Empezó a trabajar como grabador y muy pronto descubrió la fotografía (ca.1848) como una técnica idónea para sus intereses.  Trabajó para el Departamento de Ciencias y Artes y fue comisionado para realizar fotografías en París (Louvre y Exposición Universal de 1855). Pasó a ser fotógrafo titular del South Kensington Museum (luego Victoria and Albert Museum) en 1859. Fue enviado por el Museo a España y Portugal (1866-67) donde realizó una serie de imágenes de Santiago de Compostela y de distintas ciudades portuguesas. En la actualidad sus fotografías se conservan en el Victoria and Albert Museum, Londres.

Tiel, Katherine du. Después de realizar un máster de fotografía en el San Francisco Art Institute, Katherine Du Thiel desarrolla funciones de profesor visitante en el mismo centro. En sus fotografías, centradas en el cuerpo y la anatomía del ser humano, la estructura interna del cuerpo emerge al exterior, como proyecciones sobre la superficie de las partes seleccionadas. Siguiendo con este interés por la disección anatómica, sus últimos trabajos giran en torno a una suerte de autorretratos fragmentados. Su trabajo ha aparecido en Public Affairs Televisión, Parenting Magazine y See Magazine, y ha sido expuesto en San Francisco Nudes, Seibundoshinkosha, 1995. Está representada por Morphos Gallery, San Francisco.

Tillmans, Wolfgang. Remscheid (Alemania), 1968. Realiza sus estudios en Inglaterra, país en el que actualmente vive y trabaja, en Londres. Desde mediados de los 90, el trabajo de Tillmans, procedente del mundo del diseño y de la publicidad y moda juvenil, adquiere una fuerza que le convierte en uno de los nombres paradigmáticos de una fotografía que tiene a los jóvenes y a sus hábitos y relaciones como tema central. Un trabajo sin prejuicios, muy cercano estéticamente al mundo de la publicidad. Ha expuesto entre otros en Portikus, Frankfurt; Kunsthalle de Zurich; Museo Reina Sofía, Madrid; Deichtorhalle, Hamburgo, y en numerosas galerías privadas. En el año 2000 ganó el prestigioso premio Turner en Inglaterra.

Tisdale, Danny. Estados Unidos, 1958. Su trabajo, tanto como artista, docente o escritor, está fuertemente ligado a los derechos civiles y, en especial, a la defensa de la igualdad y de la cultura de la población afroamericana. Ha expuesto en numerosas muestras colectivas en torno a la imagen de la cultura negra,  presentando la imagen de sus más destacados protagonistas actuales, como Malcom X, Buster Douglas, Rodney King..., y de sus iconos y sus símbolos, siempre en series fotográficas como “Twentieth Century Black Men”, que parten del documento para ir más allá a través de la subjetivación de los temas. Ha trabajado en los departamentos pedagógicos del New Museum de Nueva York y del Paul Getty Museum de Los Angeles, entre otros. Entre los museos y espacios públicos en los que ha expuesto cabe destacar el New Museum de Nueva York, el Walker Art Center de Minneapolis, el Californian African Museum de California, o el Museum of Contemporary Photography de Chicago.

Tomic, Milica. Belgrado (Yugoslavia), 1960. Estudia en la Academia de Bellas Artes de Belgrado, ciudad en la que actualmente vive. Su obra se centra en la memoria y el olvido y los limites a los que pueden llegar las personas en sus experiencias personales. La violencia, como memoria cotidiana de una guerra reciente está presente en los más mínimo gestos de su trabajo. Ha expuesto recientemente en la Kunsthalle de Viena, en la Moderna Museet de Estocolmo, en la XXIV Bienal de Sao Paulo, y en el Museum of Modern Art Stiftung Ludwig, de Viena.

Torre, Milagros de la. Lima (Perú), 1965. Actualmente vive y trabaja en México D.F. Ha realizado estudios de fotografía en el London College of Printing. Su trabajo, esencialmente fotográfico, trata de las personas y de sus relaciones, más o menos dramáticas o cotidianas, a partir de los objetos y los documentos con que se han visto involucrados y que testifican esa existencia. Ha expuesto en el Centro Nacional de la Fotografía, París; en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José de Costa Rica; el Palais de Tokio, París; en el Museo de Arte Moderno de Oaxaca, México; en el Museo Carrillo Gil, México D.F.; en el Museo del Barrio, Nueva York; en la Fundació “la Caixa”, Barcelona; en el Museum of Contemporary Art de San Diego; en la II Bienal de Johannesburgo, Sudáfrica; en el Museum of Fine Arts de Houston; en el Institute of Contemporary Art, de Londres, etc. En España expone regularmente en la galería Luis Adelantado, de Valencia. Tiene obra en el Centro Nacional Reina Sofía, Madrid, en el Centro de la Fotografía de la Universidad de Salamanca, en el Art Institute of Chicago, en el Museo Carrillo Gil, México, D.F., y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina, entre otras colecciones públicas.

Trillo, Miguel. Jimena, Cádiz (España), 1953. Vive y trabaja en Barcelona desde 1994. Licenciado en Imagen y en Filología Hispánica. Desde los años 70 retrata a adolescentes dentro de un entorno musical (conciertos de rock, fiestas en discotecas). En sus inicios, estos jóvenes pertenecían a su ámbito familiar y a sus amistades (Málaga, Sevilla). En los años 80, en Madrid, convierte a los personajes anónimos de la Movida en su objetivo primordial (exposiciones en la Galería Ovidio -1982- y la Sala Amadís -1983- y seis números del fanzine Rockocó -1981 a 1985-). Ha publicado su trabajo en revistas como Sur Express, Madrid Hip Hop y en el dominical de El País. Ha expuesto en las galerías Moriarty, en Madrid, y El Manantial y H2O, en Barcelona. Su obra se define entre el documento de una época, la catalogación de grupos y bandas urbanas y la pasión por unos personajes en continua transformación. Sus últimos trabajos, siempre en torno a jóvenes, realizan un suave giro hacia un encuentro más individual de los adolescentes en un entorno más personal y menos sujeto a catalogaciones formales. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas españolas.

Trobat, Rafael. Córdoba (España), 1965. Vive y trabaja en Madrid. Actualmente, además de su actividad como fotógrafo freelance, es Profesor de fotografía en las facultades de Bellas Artes de la Univ. Complutense, Madrid y en la de Periodismo de la Univ. Intern. S.E.K., Segovia. Ha realizado trabajos para medios como El País, Liberation (Francia), Barricada (Nicaragua), Kodak Companny (Alemania)o Channel 4 (Inglaterra). Ha sido becado por Fundació la Caixa (Fotopres’99), Fundación Banesto (Becas 1994) y World Press Photo (Masterclass 1996). Se formó como fotógrafo trabajando como ayudante de Cristina García Rodero, con quien colabora desde 1990, año en que inció un proyecto documental sobre la evolución social en Nicaragua tras el fin de la revolución sandinista que sigue en curso. Sus fotografías han sido expuestas en España, Alemania, Italia, Holanda, Francia, Inglaterra, Suiza, Nicaragua y la mayoría de los países de América latina, además de ser publicadas en distintos países de Europa y América.

van Balen, Céline. Amsterdam (Holanda), 1965. Pertenece a la nueva generación de fotógrafos holandeses en alguna medida devotos de la pintura clásica y de la escuela fotográfica holandesa más actual. Su obra está centrada en el retrato, casi siempre de mujeres jóvenes y niñas. Siempre primeros planos que centran la imagen en cualquier pequeño detalle del rostro de la modelo. Destacan sus trabajos sobre mujeres de Europa del Este emigradas a Alemania después de la caída del muro de Berlín, y sobre niñas y adolescentes musulmanas residentes en Holanda. Ha expuesto en Holanda, Alemania y recientemente en Estados Unidos, su obra está en las principales colecciones holandesas.

van Meene, Hellen. Alkmaar (Holanda), 1972. Vive y trabaja en Alkmaar. Es uno de los más destacados ejemplos de la renovación y fuerza de la actual fotografía holandesa, de lo que se ha venido a llamar irónicamente el “efecto Rineke”. A pesar de su juventud ha expuesto en Londres, Tokio, Amsterdam, Los Angeles y Milán, individualmente. En 1999 ganó el Charlotte Kohler Prize. Sus fotografías tratan de adolescentes, siempre mujeres, en el proceso de crecimiento y transformación, reflejando la soledad y aislamiento característico de la adolescencia femenina.

Varejão, Adriana. Rio de Janeiro (Brasil), 1964. Vive y trabaja en Rio de Janeiro. La obra de Varejão parte de la pintura para adentrarse paulatinamente en otros lenguajes, como el de la instalación o la fotografía. Su trabajo se ha centrado siempre en el tratamiento del cuerpo como superficie donde se sitúa la narración histórica y cultural, relacionándolo con el lugar y la historia particular de su país. La importancia de la piel, del tatuaje -tiene varios trabajos con pieles tatuadas, que no están realizados fotográficamente-, persiste en muchas de sus obras, igual que la importancia del viaje, del cruce de culturas y de la narración como forma de comunicación. Ha expuesto individual y colectivamente en Brasil, Estados Unidos, Inglaterra, España Venezuela, Portugal, Japón o México. Entre sus exposiciones más destacadas están las realizadas en la Whitechapel Art Gallery, Londres, la participación en la XXV Bienal de São Paulo, en la Bienal de Liverpool de 1999, en el Museum of Contemporary Art de San Diego, en el Stedelijk Museum de Amsterdam, la Fundaçao Calouste Gulbenkian de Lisboa o el Sprengel Museum de Hannover. Está representada por la galería Soledad Lorenzo, Madrid, y por la galería Camargo Vilaça, São Paulo.

Vertov, Dziga. Byalistok (Polonia), 1896 – Moscú (URSS), 1954. Su verdadero nombre era Denis Arkadievitch Kaufman. Tras comenzar estudios de música y después de medicina, se dedica a escribir poesía y novela. Atraído por el futurismo, toma el pseudónimo de Dziga Vertov (en ucraniano "Gira, peonza"). En 1918, es redactor jefe del Kinonedelija (Cine-Semana, primer periódico de la actualidad cinematográfica soviético). Organiza el trabajo de los operadores en los frentes de la guerra civil y monta sus materiales. Entre 1920 y 1922, realiza varios documentales militares, viaja en los trenes de propaganda y dirige el Goskino Kalendar, revista filmada (1923-1925). Participando personalmente en las tomas, fundó el Kino-Pravda (1922-1925), noticiario de reportajes. De los manifiestos Nosotros (1922) y los Kinoki, (Cine-ojo, 1923), este último publicado en LEF, la revista de los futuristas comunistas- nace el grupo de los "kinoki" o adeptos del Cine-ojo (KinoGlaz), pero Vertov tendrá que renunciar a este cine de análisis y exploración social, y volcarse hacia el cine de encargo, que trata como poeta e inventor de formas. Después de Sagaj, Sovet! (¡Adelante, Soviet!) y Sestaja cast'mira (La sexta parte del mundo), ambas de 1926, rompe con el Goskino, contrario a su posición del documental artístico. En los estudios de Ucrania (VUFKU), desarrollará sus producciones más audaces: Odinnadcatyj (El undécimo año, 1927-28), El hombre de la cámara (1929), Sinfonia Donbassa (1930). Vertov aprovecha todos los recursos del cine: montaje, ralentí, aceleración, marcha atrás, dibujo animado, imágenes múltiples, sobreimpresiones, intertítulos, collage, cambios de color, montaje métrico o contrapunto sonoro. Tres cantos a Lenin (1934), será su última gran producción, dentro de una trayectoria que se trunca, sin medios y sin apoyos, dentro de una incomprensión casi general. Muere de cáncer en 1954.

Viéitez, Virxilio. Soutelo de Montes, Pontevedra (España), 1930. Emigró a Cataluña con 18 años, donde aprendió el oficio de fotógrafo que luego ejerció en su comarca natal entre los años 1955 y finales de la década de 1980. Retratos para carnets y documentos, bodas, primeras comuniones, velatorios y abundantes retratos individuales y familiares destinados a emigrantes residentes en América, constituyen los bloques temáticos de su repertorio siempre en blanco y negro. En sus fotografías, el factor antropológico y social, de registro de una época como fue la dura posguerra española en Galicia, convive con la autonomía visual y la atracción psicológica de los retratados. Su primera exposición tuvo lugar en 1997, en su pueblo natal y gracias al tesón de su hija Keta, consagrada a positivar y ampliar sus negativos para dar a conocer el archivo fotográfico de su padre. Una vez descubierto su trabajo, ha sido expuesto en la VII Fotobienal de Vigo en 1998, y posteriormente en Agence Vu, París, Canal de Isabel II, Madrid, o en el Patio de Escuelas, Universidad de Salamanca, en Explorafoto 2001.

Vitali, Massimo. Como (Italia), 1944. Recibe una educación clásica en Milán, posteriormente se traslada a Londres donde estudia fotografía en el London College of Printing; desde 1964 hasta 1979 trabaja como fotografo de prensa independiente. Posteriormente se convierte en director de fotografia en peliculas de ficción y de publicidad. En 1993 comienza a trabajar con cámaras de gran formato. Su trabajo se centra en el retrato de época, en las fiestas masivas y en los lugares de recreo y ocio contemporáneo. Su trabajo más conocido es el que ha realizado sobre diferentes playas de toda Italia y sobre discotecas y centros de diversión y baile juvenil. Este trabajo ha sido recogido en el libro Beach & Disco, publicada por Steidl en Alemania en el 2000. Vitali ha expuesto individualmente en galerías y centros públicos de Italia, Francia y Estados Unidos, y colectivamente en Le Temps, Vite, en el Centro Pompidou, París, en 2000, entre otros.

Wall, Jeff. Vancouver (Canadá), 1946. Artista, profesor y ensayista, está considerado como uno de los artistas más característicos del fin del siglo XX. Ha enseñado en diversas universidades americanas y muy especialmente en el California Institute  of the Arts, y actualmente en la Universidad de Vancouver. Desde 1979, fecha en la que empieza a exponer, ha mostrado su obra en Documenta X, Kassel; Centro Reina Sofía, Madrid; Jeu de Paume, París; Boijmans van Beuningen, Rotterdam, entre otros. Ha trabajado también en proyectos específicos con otros artistas, como Dan Graham (Children’s Pavilion 1989). Ha escrito diversos libros sobre su trabajo y sobre arte conceptual y arte contemporáneo en general.

Warhol, Andy. Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987 (Estados Unidos). De nombre Andrej Warhola, y de familia de origen polaco, Andy Warhol es uno de los hitos del arte universal. La diversidad de sus actividades y soportes creativos y la fluidez, riqueza y variedad de sus contenidos le convierten en uno de los innovadores del arte actual. Después de sus estudios de diseño gráfico y artes aplicadas, comienza una carrera como pintor claramente influenciada por la publicidad y la ilustración, y también por las imágenes que la vida diaria, los iconos populares, le ofrecían. Nace el movimiento pop. Sus incursiones en el cine experimental han sido esenciales en este género. La utilización de la fotografía como fondo de sus series de grabados y en muchas obras de diferentes períodos es otro elemento a destacar en su trabajo. La observación de la sociedad estadounidense le lleva a realizar series sobre productos de consumo, accidentes de coches, sillas eléctricas y criminales buscados por la policía, siempre tratados con el estilo ‘warhol’ característico de sus producciones. El mismo se convirtió en objeto de estos delitos que reflejaba en su obra al sufrir un atentado del que salió gravemente marcado (fotografiado por Richard Avedon). La obra de Warhol es sobrada y popularmente conocida a través de libros y exposiciones en todo el mundo.

Waters, John. Baltimore, Maryland (Estados Unidos), 1946. Estudia en una escuela católica de Baltimore donde desde muy joven se diferencia de las características y los gustos de sus compañeros de generación. Influenciado por el cine gore y aficionado también al cine de calidad, está considerado el rey del cine underground. En 1972 rueda Pink Flamingos, con apenas 10.000 dólares y se convierte en la película de culto del cine basura que entroniza a su protagonista Divine, que participará en otras películas de Waters. El mal gusto, la provocación y la referencia irónica al cine, sus actores y sus géneros, son características de la obra de Waters. Entre sus películas cabe señalar Multiple Maniacs (1970), Cosa de hembras (1974), Polyester (1981), Hairspray (1988), El lágrima (1990), Los asesinatos de mamá (1994), Pecker (1998) y Cecil B. Demente (2000). Además de las películas, Waters ha publicado cuatro libros y desde 1995 ha expuesto sus fotografías y trabajos artísticos en museos y galerías como American Fine Arts, Co., New York; Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio; Biennale de Lyon y Galería Marta Cervera, Madrid.

Wearing, Gillian. Birmingham (Reino Unido), 1963. Graduada en el Goldsmiths College en 1990, trabaja esencialmente con fotografía y vídeo. Su trabajo se centra en los miedos, las fantasías y los secretos de la gente corriente y en cómo los espectadores reaccionamos frente a su manifestación. Su obra se centra en el diálogo y la participación de gente de todo tipo, mientras su estética y estilo ha sido encuadrada dentro del grupo de jóvenes artistas británicos agrupados en la exposición “Sensation”. Ha expuesto, colectiva e individualmente, en varios museos y galerías privadas, destacando las muestras realizadas en la Kunsthaus de Zurich y la que en este año 2001 tendrá lugar en la Fundación “la Caixa” en su sede de Madrid.

Weegee. Lemberg (Ucrania), 1899 - Nueva York (Estados Unidos), 1968. De nombre Arthur H. Fellig, emigra a Estados Unidos a los 7 años con toda su familia. Deja los estudios a los 14 años para ayudar en el mantenimiento de su casa. Desde sus inicios como fotógrafo callejero trabajó en todo tipo de trabajos hasta que finalmente, en 1918, encuentra un trabajo en un estudio fotográfico. A partir de 1935 se convierte en fotógrafo free lance y centra todo su trabajo en la zona de Manhattan y los cuarteles generales de la policía. En este momento se inicia su etapa más popular haciendo de sus fotografías de delitos, crímenes, accidentes, redadas policiales, detenciones, etc., el nacimiento de un género y del momento de mayor éxito de la obra fotográfica de Weegee (apodo que tomaría para su trabajo desde el principio). Consiguió una licencia para instalar su propia emisora policial en el coche, así como un laboratorio fotográfico para agilizar el proceso. De sus métodos se dice que, al llegar antes que la policía al lugar del crimen, en ocasiones manipulaba la escena con el fin de mejorar la toma fotográfica. De esta época surgen varios guiones para películas, como “Naked City”. En series posteriores Weegee retrataría gente de Hollywood y escenas populares y colectivas de la vida americana. Sus fotografías y sus libros son un producto clásico de la fotografía contemporánea, y su estética una de las bases del cine negro.

Wenders, Wim. Düsseldorf (Alemania), 1945. Estudia medicina y filosofía, para después ingresar en la Escuela Superior de Cine de Munich, entre 1967 y 1970. Durante sus estudios escribe crítica de cine y de rock. La adaptación de la novela de Peter Handke, El miedo del portero al penalty (1971), y la trilogía Alicia en las ciudades (1973), Falso movimiento (1975) y En el curso del tiempo (1976) le sitúan a nivel internacional. El viaje, las ciudades, la música y las relaciones del hombre con la historia están presentes en casi todas sus películas. Con El amigo americano (1977) conoce a Nicholas Ray y F. Ford Coppola y da el salto a Estados Unidos, donde rodará Hammet (1981). Llegan los premios en Venecia con El estado de las cosas (1982) y en Cannes con Paris, Texas (1984). Los ángeles y la historia son el eje de Cielo sobre Berlín (1986) y ¡Tan lejos,  tan cerca! (1993), y entre ambas el rodaje en más de veinte ciudades de Hasta el fin del mundo (1991). La ciudad, la música y el cine centran la mirada en Lisboa (1994) y en el documental sobre La Habana, Buena Vista Social Club (1999). Sus últimas películas de ficción son El fin de la violencia (1997) y El hotel del millón de dólares (2000). Su trabajo fotográfico está recogido en diversos libros, entre ellos Written in the West (1987), Buena Vista Social Club (1999), Once (DAP, New York, 2001), y ha expuesto en espacios como el Centre Georges Pompidou, Paris, Kiyomizu Temple, Kyoto, o la Biennale de Venecia.

White, Charlie. Estados Unidos. Uno de los artistas más jóvenes incluidos en esta revista, se graduó en Bellas Artes en la School of Visual Arts,  de Nueva York en 1995, continuando sus estudios en el Art Center College of Design, Pasadena, California en 1998. Sus fotografías, manipuladas digitalmente, nos muestran escenas cotidianas de la vida normal de la gente de cualquier lugar, en las que introduce un personaje ajeno a esta normalidad, un elemento de fantasía y contraste, una alegoría ultramoderna tratada con un sutil toque de humor. Entre 1999 y 2001 ha expuesto individualmente en Andrea Rosen Gallery, Nueva York y en el Santa Barbara Contemporary Arts Forum, California. Ha participado también en numerosas muestras colectivas en Estados Unidos y Europa, entre ellas las celebradas en el P.S.1 Center for Contemporary Art, Nueva York; Fundació la Caixa, Barcelona y en la Art Gallery of Hamilton, Ontario.

Woodman, Francesca. Denver (Estados Unidos), 1958 - Nueva York, 1981. Francesca Woodman pasó grandes temporadas de su vida en Italia. Después de asistir a cursos de diseño en Rhode Island y Roma se instala en Nueva York donde pasará el resto de su vida.  Aunque hizo pocas exposiciones en todas destacó su obra. Se cuentan entre ellas un par de colectivas de artistas jóvenes en Italia en 1978 o la muestra Beyond Photography 80 en The Alternative Museum de Nueva York en 1980. En 1981 se publicó el libro Some Distorted Interior Geometries by Francesca Woodman (Philadelphia, Synapse Press). Después de su muerte su obra fue incluida en varias muestras como Issues of Identity: The Construction of the Self en el Whitney Museum of American Art en 1986, Memento Mori en el Centro Cultural/Arte Contemporáneo de la ciudad de México en 1987 y Vanishing Presence en el Walker Art Center en Minneapolis en 1989. En Europa su trabajo se ha podido ver en importantes exposiciones en la Fondation Cartier en París y en Tecla Sala en Barcelona.

Xu Bing. Chongqing (China), 1955. Creció en Beijing. En 1975, con motivo de la Revolución Cultural, se le envió al campo durante dos años. En 1977 se matriculó en la Academia Central de Bellas Artes en Beijing donde estudió grabado. En 1990 se trasladó a Brooklyn, Nueva York, donde reside actualmente. En su obra, a través de montajes e instalaciones, se dan cita las problemáticas del lenguaje, desde su faceta comunicativa hasta las interrelaciones colonialistas, pasando por la atracción formal de los pictogramas chinos. Su trabajo se ha expuesto en la 45 Bienal de Venecia; MOMA, Nueva York; Museum Ludwig, Colonia; Cocido y crudo, MNCA Reina Sofía, Madrid; V&A, Londres; Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki; Bienal de Sidney; Bienal de Kwangju, Corea; Bienal de Johannesburg, Sudafrica; National Gallery of Canada, Ottawa; San Francisco Museum of Contemporary Art (MOCA); National Gallery of Australia, Canberra; ICC, International Communications Center, Tokyo; P.S. 1, Nueva York. Entre sus exposiciones individuales destacan las del New Museum of Contemporary Art, Nueva York; Fundación Joan Miró, Palma de Mallorca; Institute of Contemporary Art, ICA, Londres; Galería Nacional, Praga; y National Gallery of Beijing. En julio de 1999, recibió el Premio al Genio de la MacArthur Foundation en reconocimiento a su “originalidad, creatividad, autodirección y capacidad para contribuir de manera importante a la sociedad, particularmente mediante la obra gráfica y la caligrafía”.

Zhang Huan. Yang, provincia de He Nan (China), 1965. Licenciado por la Academia Central de Bellas Artes de Beijing. Su trabajo se desarrolla en performances y acciones, en una línea de actuación en la que el cuerpo es el eje de toda la acción, bien porque desaparece bajo la tinta y la acción de la escritura, bien porque se recubre con otras sustancias como agua, miel, etc. Estas acciones son sistemáticamente fotografiadas, por lo que su obra se bifurca en dos líneas: las performances en sí mismas, y sus registros fotográficos, que adquieren un carácter aislado de estas acciones y alcanzan autonomía propia. La importancia del cuerpo y de la comunicación son los temas centrales de su trabajo. Ha mostrado su obra en la Cotthem Gallery, Barcelona; Biennale de Lyon 2000; Culturgest, Lisboa; Cinco continentes y una ciudad, México D.F., 1999; Museum Ludwig, Colonia; Biennale di Venecia, 1999; Asia Society, P.S.1, New York, 1998; The China National Art Gallery, Beijing, y, este año 2001, en el Museo de las Peregrinaciones de Santiago de Compostela. Su trabajo se encuentra en colecciones públicas como la del Asia Museum of Fukuoka, Japón; University Art Museum, Berkeley, California; The Hra Museum of Contemporary Art, Tokio; MacArthur Foundation, Chicago; Philadelphia Museum of Art, Pennsylvania; Philip Morris Co., Nueva York, entre otras.

Zulueta, Iván. San Sebastián (España), 1943. Vive y trabaja en Madrid, ciudad a la que se trasladó en 1960 para estudiar decoración en el Centro de Nuevas Profesiones. En 1964 viaja a Nueva York, donde realiza varios cursos de pintura y dibujo publicitario en la Ad Students League. A su regreso a Madrid ingresa en la Escuela Oficial de Cinematografía, pero no consigue diplomarse. Trabaja haciendo todo tipo de diseños, grafismos y carteles para películas, y se inicia con el rodaje de cortos, entre los que cabe citar Masaje; Frank Stain; Te veo; Marilyn; Leo es pardo, y A Mal Gam A. Entre sus largometrajes destacan Un, dos, tres, al escondite inglés (1969) y Arrebato (1980), película de culto del cine español, donde indaga en la relación psicológica entre el individuo, el medio cinematográfico y la atracción fatal del triángulo formado por la mirada, la imagen y el acto de filmar. Durante los años ochenta colabora en televisión, pero se mantiene inactivo de 1990 a 1999, año en el que retoma su actividad creativa en los campos del diseño de carteles y la fotografía, con sus ya características imágenes de Polaroid.